Картинки нарисованные красивые красками: Картинки красками (150 фото) 🔥 Прикольные картинки и юмор

Содержание

Пейзажи для срисовки: фото 100 креативных идей

Малый процент людей рисуют пейзаж или срисовки природы по памяти, большинство старается делать зарисовки с натуры, но к сожалению, далеко не у всех есть такая возможность. Тогда на помощь приходят уже нарисованные картинки, смотря на которые можно с легкостью нарисовать красивую природу в правильных пропорциях.
В этой статье представлены картинки природы карандашом, легкие картины, нарисованные акварелью и красками, различные пейзажи для срисовки, фото которых вы сможете оценить. Вы сможете научиться поэтапно сделать простой рисунок. Данная методика подходит для начинающих и детей.

Содержание материала

Красивые

Красивый осенний пейзаж, нарисованный своими руками, – это отличный подарок, особенно если речь идет о дорогом для вас человеке. Представляем вашему вниманию красивые пейзажи для срисовки, на которых изображена природа в разные времена года.
Рисунки карандашом поэтапно, красивые варианты исполнения с птицами и животными, пейзажи для начинающих, а также красивые и легкие пейзажи для срисовки и просто красивые пейзажи, рисунки и фото – всё это смотрите в фотосборке.

Легкие

Для тех, кто только начинает учиться рисовать, представлены пейзажи для срисовки для начинающих, а именно: пейзажи легкие для срисовки, пейзажи для срисовки карандашом для начинающих, пейзажи для срисовки акварелью, легкие пейзажи карандашом и просто красивые картины для срисовки. Здесь вы сможете подобрать для себя картинки пейзажа природы для срисовки.

Поэтапные

Иногда даже самые легкие картинки карандашом, пейзажи или картинки для срисовки, пейзажи для начинающих могут быть достаточно сложными. В таком случае подходят поэтапные картинки, пейзажи природы для срисовки и рисунки карандашом для срисовки (пейзажи). Вы сможете освоить каждый этап рисования, даже если требуется нарисовать более сложные рисунки для срисовки, пейзажи. 

Другие варианты

Научиться рисовать красивые пейзажи, рисунки карандашом или любой другой пейзаж для срисовки карандашом стало теперь совсем легко. Мы надеемся, что информация, представленная в статье, была для вас полезной.

Загрузка…

Нарисованные закаты на море — 71 фото

1

Закат красками

2

Картина закат

3

Картины заката солнца

4

Закат карандашом

5

Пейзаж легкий

6

Пейзажи для рисования

7

Пейзаж гуашью

8

Пейзаж моря гуашью

9

Морской пейзаж легкий

10

Морской пейзаж гуашью

11

Пейзаж для детей

12

Закат на море красками

13

Леонид Афремов закат

14

Живопись закат на Рейне Кокоек

15

Пейзаж гуашью

16

Закат гуашью

17

Леонид Афремов картина закат

18

Леонид Афремов озеро

19

Афремов Леонид парусник на закате

20

Леонид Афремов закат на море

21


Рисование заката

22

Пейзаж с пальмами гуашью

23

Живопись синее море на закате

24

Закат рисунок

25

Закат красками

26

Пейзажи для срисовки

27

Закат гуашью

28

Пейзаж моря гуашью для начинающих

29

Пейзаж моря гуашью для начинающих

30

Закат красками для детей

31

Закат рисунок

32

Пейзаж с пальмами гуашью

33

Закат карандашом

34

Закат на море карандашом

35

Пейзаж легко

36

Пейзаж карандашом закат

37

Закат красками

38

Картина закат

39

Закат рисунок

40

Красивый закат красками

41


Закат красками для детей

42

Закат на море карандашом

43

Правополушарное рисование пальмы на закате

44

Красивый закат карандашом

45

Закат красками

46

Пейзаж моря гуашью для начинающих

47

Закат гуашью

48

Картина закат

49

Морской пейзаж акрилом

50

Морской пейзаж гуашью

51

Закат на море красками

52

Закат гуашью

53

Рисование заката

54

Закат на море гуашью

55

Рисовать закат на море

56

Нарисовать закат карандашом

57

Морской пейзаж гуашью

58

Пейзаж моря гуашью

59

Закат красками

60

Закат гуашью

61

Легкие пейзажи

62

Пейзаж легко

63

Пейзаж рисунок

64

Пейзаж моря красками

65

Закат гуашью

66

Закаты красками легкие

67

Рисование гуашью для начинающих

68

Морской пейзаж легкий

69

Морской пейзаж гуашью

70

Восход гуашью

Картинки для срисовки красками акварель для начинающих — MOREREMONTA

Волк в лесу воет на луну.

Девушка с розовыми волосами и цветы.

Красивый глаз в красках.

Индейский талисман, защищающий спящего от злых духов.

В прошлой статье мы изучали как рисовать акварелью, в этой теме мы продолжим учиться на примерах рисунков, посмотрим техники рисования и предложим рисунки акварелью для срисовки

Рисунки акварелью с примерами

Рисуем акварелью розу

Давайте рассмотрим рисунки цветов акварелью. Роза, например. Как нарисовать розу мы учились в недавнем уроке, загляните за примерами

Для начала рисуем карандашом легкий, едва заметный набросок

Техникой простого наложения наносим сначала все светлые тона, перекрываем их после полного высыхания еще раз тем же цветом, или темнее

Если на участке, где должна быть светлая часть. аккуратно тонкой кистью снимайте краску со слоя.

Продолжаем наносить акварель на рисунок. Светлые тона на стебель, оставляя незакрашенные участки на листьях, для будущего бликования и оттенков

Завершаем рисунок темными цветами, доработкой краев и ждем до полного высыхания, чтобы удалить следы карандаша

Рисунок акварелью пион

Самые распространненые в акварельных рисунках цветы – сирень, и пожалуй, пионы. Попробуем нарисовать пион.

Как и в первом примере, сначала легкий эскиз

Техника ничем не отличается, в том числе и в очередности тонов – сначала светлые.

Добавляем теней в листья и готовим базу под розовый цвет лепестков, перекрывая очень светлым розовым оттенком

Более темный розовый оттенок дает нам ощущение глубины рисунка, обозначает тени внутри лепестков, оживляет рисунок

На этом можно было и закончить, доработав серединку, но можно совместить с мокрой техникой рисования, добавив в рисунок фоном сочную листву.

Прежде чем это сделать, высушите рисунок. Слегка влажной широкой кистью пройдитесь по заднему плану, полусухой кистью с краской нанесите веточки зелени и мелкие розовые цветы. Доработайте сердцевину цветка. Высушите полотно.

На заключительном этапе уточните стебли листвы и мелкие разноцветные цветочки заднего плана.

Рисунки акварелью для срисовки

Попробуйте нарисовать не один пион, а букет и разными стилями: мокрой кистью по мокрому, разводы, сухой кистью по мокрому полотну. Приготовили вам рисунок пионов, который идеально подойдет для акварельных техник

Если вдруг вы понимаете, что у вас что-то не получается – краска растекается, мазки перекрываются – не вздумайте отчаиваться! Акварель разнообразна и дает волю любой вашей фантазии. Рисуйте образно, рисуйте так как получается. Выйдет все равно красиво! Посмотрите на это простой рисунок, в нем нет никакой точности, только образы и цвета. Но он стильный и красивый.

Если еще хотите экспериментов с техникой нанесения краски, можно попробовать на прическах. Они неоднородны, с тенями, оттенками, вот, например

Срисуйте или нарисуйте себе что нибудь и пробуйте. Посмотрите, это красиво.

По тому же принципу – игра с краской, можно использовать дудлы

Попробуйте вот этот рисунок сделать акварелью одной техникой, например с водной глазурью. Должно выйти очень эффектно!

Не спешите сразу рисовать что-то готовое, потренируйтесь на раскрасках. Выбирайте те, которые с множеством линий, это будут самые красивые и красочные рисунки в итоге.

Усложняйте свои работы, не останавливайтесь на одной технике, комбинируйте акварель с линером, карандашами, фломастерами и даже маслом.

Вот, например – картинка небольшая, а техники использовано три. Сможете узнать их?

Ну что ж, если вы достаточно уверенно себя чувствуете с краской, давайте попробуем рисунки самостоятельные, без эскизных набросков

Легкие рисунки акварелью

Цветы акварелью

Стоит начать, пожалуй, с цветов. Акварель наверное специально для них существует.

Все многослойные рисунки начинают с самых светлых тонов. Не забудьте!

Лаванда, если хотите рисовать гербарий в скетчбуке

Пробуйте формы, цвет, меняйте кисть, комбинируйте технику. Это очень увлекательно

Пейзаж акварелью

В пейзажных рисунках акварелью предполагается фон окружающего мира. Вам придется научиться с ним работать, смешивать соседние цвета, проработать градиенты и границы. Потренируйтесь, к примеру, вот

Мы уже рисовали сосновый лес в предыдущей теме, теперь работа посложнее, поизящнее.

Потрясающей красоты рисунок акварелью, очень аккуратный градиент заката

Еще одна очень интересная работа в пейзажном стиле

Еще одна несложная, но заслуживающая внимания работа акварелью.

Пейзажные рисунки акварелью с очень тонкой многослойной работой

Рисунки для срисовки акварелью

Очень большой популярностью пользуются небольшие и легкие рисунки для рисования акварелью. У нас есть многочисленные подборки легких рисунков для срисовки, которые идеально подойдут вам. Немного работ для срисовки в качестве примера

Смешанная техника – карандаш+акварель

Посмотрите, нет строгих линий заливки цветом, но как здорово смотрится!

Взяли грушу, нарисовали ее фактуру акварелью, обвели черным фломастером и вот пожалуйста – птичка

Пейзаж акварелью, а лиса и птички карандашом

Белые тонкие линии выполняются на финальной стадии рисунка либо белой гелевой ручкой, либо гелевым акриловым маркером. Можно использовать пастельные мелки или карандаши, но они предназначены для растушевки и со временем потеряют свою четкость

Техника сухой кисти + размывка

Тоже смешение техник с финальной доработкой линером

Реалистичный рисунок зонта, довольно непростой для начинающих

При всей своей многоранности, рисунок не так сложен, как кажется, главное не смешать фон с котом

Всеми любимые маленькие рисунки, которые можно раскрасить акварельными красками

Рисунок в два цвета и три слоя

Котик среди арбузов. Тут интересно, вопреки основному принципу – сначала самые светлые тона, нарисованы темные

Очень легкий рисунок. Горы линером, небо акварелью

Рисунок кота, тонкая работа на влажной акварельной бумаге

Прекрасная возможность использовать технику брызг на акварельном рисунке. Вырежьте трафарет птицы, нарисуйте внутри космос, набрызгайте белой краской

Очень эффектное смешение техник, но акварель играет главную роль – именно ей передаются тени, оттенки, игра красок, что придает рисунку динамичности

Собачка — нарисованная акварелью

Красивый рисунок можно нарисовать с помощью красок. В нашей подборке рисунков акварелью для срисовки вы обязательно найдете хороший рисунок. Если вы никогда прежде не рисовали, пора попробовать и создать свой рисунок акварелью.

Пейзажи для рисования (57 фото)

1

Грэхэм Геркси

2

Жан Марк Янячик море

3

Акварель пейзажи природы

4

Нарисованный лес

5

Рисунки природы

6

Рисунки красками

7

Весна пейзаж

8

Анна Армона акварель

9

10

Картины маслом самые красивые пейзажи

11

Осенний пейзаж в графике в цвете

12

Мультяшный пейзаж

13

Пейзаж в теплых тонах

14

Боб Росс пейзаж горы

15

Пейзажи для рисования акварелью

16

Пейзаж настроения природа и художник

17

Жан Марк Жаньячик картины Подсолнухи

18

Рисунки акварелью пейзажи

19

Живопись на стене природа

20

Anna Armona акварель

21

Картины природы

22

Природа арт

23

Пейзажи природы для детей

24

Анна Армона акварель

25

Пейзаж легкий

26

Природа акварелью

27

Пейзаж в графике

28

Жан Марк Жаньячик художник

29

Пейзажи для рисования акварелью

30

Пейзаж в коричневых тонах

31

Разноцветный пейзаж

32

Рисунки акварелью пейзажи

33

Художник Graham Gercken пейзажи

34

Картины природы акварелью

35

Нарисованные зелёные пейзажи

36

Рисунки акварелью

37

Природа акварелью

38

Фантастические пейзажи акварелью

39

Арты природы

40

Закат мультяшный

41

Художник пейзажист Боб Росс

42

Художник Боба Росса горы

43

Пейзажи для рисования

44

Фото пейзаж рисунок

45

Художник – Грэм Геркен. Картина – «дорога в осень»

46

Утренний пейзаж акварелью

47

Роб Росс

48

Картины Боба Росса

49

Жан Марк Жаньячик Прованс

50

Пейзаж настроения

51

Пейзажи диджитал горы

52

Компьютерная Графика природа

53

Природа акварелью

54

Художник Graham Gercken осень

55

Природа для арта

56

Пейзаж дерево красками

57

Осенний пейзаж акварелью

легкие открытки для срисовки или раскраски карандашом

Картинки с рисунками ко дню учителя – легкие открытки для срисовки карандашом. Скачивайте бесплатно рисунки для срисовки ко дню учителя, легкие открытки для того чтобы самому нарисовать поздравление карандашом или красками или просто раскрасьте готовый шаблон поздравления ко дню учителя.

Посмотрите все разделы с КАРТИНКАМИ КО ДНЮ УЧИТЕЛЯ на нашем сайте:

Картинки с рисунками ко дню учителя

Рисунок – Цветы для любимого учителя.

Рисунок открытки карандашом ко дню учителя.

Детский рисунок – Моя любимая учитель.

Идея для нарисованной открытки.

Картинка нарисованная ко дню учителя.

Рисунок поздравление с днём учителя раскрашенный карандашом.

Лёгкий детский рисунок для учителя на 5 октября.

Рисунок в тетради.

С днём учителя поздравляем! Детский рисунок фломастерами на альбомном листе.

Картинка рисунок ученика с поздравлением ко дню учителя 5 октября.

Рисунок поздравление с днём учителя раскрашенный красками акварели.

Рисунок – В школу с цветами.

Рисунок – Поздравительная надпись у доски.

Рисунок – Школьный стол учителя.

Рисунок – поздравление учителю музыки.

Рисунок поздравление в картинке с праздником с днём учителя.

Картинки лёгкие для срисовки или раскраски карандашом

Открытка для раскраски – мужчина педагог.

Картинка легкая для срисовки – Подарок классному руководителю на праздник 5 октября.

Открытка для раскраски – дневник отличника! Ну или двоечника, это уже кому как понравится:)

Картинка для рисования – Мама мыла раму.

Открытка для срисовки – У доски.

Легкая открытка для срисовки и разукрашивания – 2+2+4.

Шаблон для срисовки – “С праздником, дорогие учителя!”

Раскраска для срисовки на 5 октября ко дню учителя.

С днём учителя – Лёгкая картинка для срисовки и раскраски карандашом или красками.

Картинка для срисовки – Весёлый праздник учителей.

Шаблон для срисовки ко дня учителя – Юный ученик.

Лёгкая картинка для раскраски ко дню учителя.

Открытка для срисовки и раскраски карандашом.

Раскраска – Сова учитель.

Не нашли нужную Вам открытку?

Посмотрите все разделы с КАРТИНКАМИ КО ДНЮ УЧИТЕЛЯ на нашем сайте:

Как нарисовать гуашью космос Для начинающих Поэтапно

Рисовать космос гуашью очень просто, и даже начинающий художник может нарисовать красивый космос, не имея особых навыков. Поэтому, мы немного усложним задачу и нарисуем не просто звезды, а более сложную композицию на тему космоса, из нескольких элементов, чтоб картина получила интересный сюжет.

Первым делом, надо на листе бумаги наметить карандашом основные детали. Для того чтобы космос получился реалистичным, можно использовать как образец одну или несколько фотографий настоящего космоса. На пример, здесь мы в качестве наглядного пособия взяли отдельные фотографии Сатурна, поверхности Луны и, собственно, космоса. При этом, для того чтоб картина получилась целостной, а не слепленной из разных частей, надо учитывать один важный момент – свет должен падать на все объекты в одном и том же направлении. По этому, мы определили для себя условное расположение источника света, который освещает наши планеты справа. А на левой стороне мы обозначили тень, заштриховав ее карандашом.

Далее красками рисуем фон. Для того чтоб наш космос получился красочным, мы будем рисовать фон не просто черной краской, а всеми цветами. Ведь звезды, находящиеся на большом расстоянии, хоть и неразличимы по отдельности, но вместе образуют светящиеся облака. И, несмотря на то, что их цвет может показаться нам одинаково белым, они все имеют три основных оттенка – красный, желтый, голубой. Кстати, эти три цвета так же являются основными цветами, из которых можно получить все остальные цвета – синий, фиолетовый, оранжевый, зеленый и т.д.

Итак, вооружившись этим знанием, мы рисуем скопления звезд всеми цветами радуги, смешивая их отдельно и прямо на бумаге. Более плотные участки рисуем яркими красками – желтым, красным и голубым, с добавлением белила, а более темные — синим и фиолетовым, с добавлением черной краски. В нашем случае, мы рисуем по фото, нашу галактику Млечный путь, так как мы видим ее с Земли и из солнечной системы.

После того как нарисован темный фон, мы рисуем отдельные звезды. Для этого мы берем жесткую кисть или зубную щетку, макаем ее кончик в белила и, проводя по нему пальцем, разбрызгиваем краску по картине. При этом, надо следить, чтоб краска разбрызгивалась не слишком равномерно, потому что плотность звездных скоплений в разных участках космоса разная. Например, мы намеренно делаем больше звезд в районе Млечного пути и меньше с краю. Разбрызгивать желательно в разных направлениях, чтоб избежать однородности. Так же мы используем не просто белую краску, а добавляем в нее немного желтой, красной и голубой. Кстати, самые яркие звезды обычно голубые. Некоторые звезды мы сделаем самыми яркими, отдельно подрисовав их маленькой кисточкой.

После того как звезды разбрызганы, мы раскрасим планеты. Планеты могут быть нарисованными по фотографии или придуманными, но тут важно вспомнить, что тень должна падать в одинаковом направлении. Свойства света в космосе отличаются от его свойств на Земле и, рисуя космос это надо помнить. Благодаря земной атмосфере, свет рассеивается и, как бы, огибает предметы, поэтому, мы всегда можем видеть теневую сторону предметов, как слабо освещенную. Но если вы посмотрите на Луну в космосе, где воздуха нет, то вы сможете видеть только ее освещенную сторону, тогда как теневая сторона будет полностью лишена освещенности, если никакого другого источника света там нет. Так же и с любым другим предметом в космосе – если на него не падает свет, он абсолютно темный и различить какие либо детали на нем нельзя.

Но в нашем случае мы пойдем на хитрость и нарисуем теневую сторону планет немного более светлой, чтоб они не выбились на передний план. Хотя это и не обязательно. Так же не забываем, что если мы рисуем Сатурн, то у него может быть тень, которую он отбрасывает на свои кольца.

После того как нарисован дальний космос, мы переходим к ближнему и рисуем ландшафт планеты, на которой мы оказались. Сначала светлой краской закрашиваем все освещенные участки. При этом, для того чтобы пейзаж был живописнее, стоит рисовать не одним цветом, а постоянно смешивая разные краски.

Далее, если бы мы рисовали пейзаж на Земле, мы бы перешли к изображению полутени, но так как мы рисуем поверхность планеты без атмосферы, то рассеивания света и полутени здесь нет, и то что находится в тени – просто черное. Но мы все равно разводим краску средней светлоты и рисуем полутень. Таким образом, мы изображаем участки, состоящие из множества маленьких отдельных теней и которые на расстоянии сливаются в одно пятно средней освещенности. И уже только тень кратеров, которые находятся ближе всего к нам, мы делаем максимально темной, потому что более контрастные объекты визуально выходят на передний план.

Ну а чтобы пейзаж не был таким пустынным и безлюдным, мы нарисуем космический корабль с исследователями. Будем рисовать его так же, как и остальные небесные тела: наметим его контур и раскрасим в основной цвет, а потом нарисуем тень.

После этого добавим несколько деталей и корабль с космонавтами готов бороздить бескрайние просторы открытого космоса.

Надеемся, что этот мастер класс оказался для Вас не только простым и понятным, но и полезным. Удачи в рисовании!

Поделись в соц. сетях:

Рекомендуем к прочтению:

Как нарисовать пейзаж гуашью. Поэтапно. Для начинающих.

Как акварелью нарисовать цветы. Поэтапно. Начинающим.

Как акварелью нарисовать море. Для начинающих. Поэтапно.

Метки: что можно красиво нарисовать гуашью, картины, картинки, рисунки, нарисованные красками гуашь, Фото, рисунок, космос в картинках, как нарисовать луну, галактику

Рисунки на стенах: что можно нарисовать на стене, картинки на стену в комнату

Содержимое обзора:

Общие рекомендации

Для настенной росписи больше всего подходят акриловые краски на водной основе, так как они достаточно яркие, не пахнут, быстро сохнут и поддаются корректировке в процессе росписи.

Чтобы рисунки на стене не боялись влажной уборки, их следует покрыть матовым лаком.

Под роспись лучше всего отвести одну или максимум две стены, иначе интерьер будет перегружен, а пространство визуально уменьшится.

Выбирая рисунок для стены, учитывайте ориентацию комнаты по сторонам света. Если окна помещения выходят на южную сторону, то для настенной росписи можно смело использовать холодные оттенки (голубой, синий, бирюзовый). Если же света в комнате не хватает, то советуем сделать ставку на теплые оттенки (желтый, оранжевый, коричневый, красный и прочие).

Рисунок на стене должен вписываться в интерьер комнаты по стилю, цветовой гамме и тематике. Так, например, в классическом интерьере будут хороши узоры в стиле дамаск, геральдика, клетка, растительные и цветочные мотивы.

Цветы на стене кухни в классическом стиле

В современном интерьере уместнее окажутся геометрические принты, шеврон, горизонтальные полосы, абстрактные картинки.

Самые универсальные принты для росписи стен это: клетка виши или тартан, полосы, ромбы, растительные мотивы, марокканские узоры (на фото ниже).

Не можете найти обои с ультрамодным марокканским принтом? Закажите в интернете готовый трафарет узора или сделайте его сами следуя нашему мастер-классу

Также достаточно универсальны изображения деревьев (например, цветущей сакуры), цветов и растений.

Нарисованная сакура на стене спальни

Рекомендуем прочитать:

Нарисованное дерево на стене гостиной

Нарисованные цветы на стене спальни

Желательно, чтобы настенный рисунок перекликался с какими-либо элементами интерьера, например, с подушками на диване, картиной на одной из стен, ковром, шторами или скатертью.

Тематический рисунок на стене кухни

Помните, что вертикальные линии рисунка зрительно вытягивают стены, но сужают помещение. Горизонтали же, наоборот, раздвигают стены, но делают ниже потолок.

Полосатая стена в спальне

Если комната маленькая , то рисунок лучше всего выбрать не слишком крупный, детальный и пестрый. Также стоит отказаться от слишком ярких или темных оттенков в пользу светлых.

Рекомендуем прочитать:

Рисунок на стене маленькой кухни в хрущевке

Зрительно увеличить маленькую комнату поможет настенный рисунок с перспективой, например, изображение городской улочки, уходящей вдаль как на фото ниже, лесной тропинки, дороги и пр.

Пример росписи стены аэрографом

Пример росписи стены аэрографом

Пример росписи стены аэрографом

Пример росписи стены аэрографом

Какую стену или фрагмент стены стоит выбрать для росписи? Подойдет любая пустующая или самая заметная стена в комнате, ниша или выступ, стена в какой-либо функциональной зоне (или напротив нее), а также участок над любым столом, комодом, консолью, камином, изголовьем кровати и т.д. Так, например, на кухне можно разрисовать фартук или участок над мойкой, стену у обеденного стола или напротив него.

Роспись керамической плитки на фартуке кухни

Рекомендуем прочитать:

Кстати, с помощью рисунка на стене можно разделить пространство и обозначить границы какой-либо зоны.

Также для росписи отлично подходят дверные проемы, углы, пространство под потолком.

Особенности рисунков на стенах

  • Узоры на стенах способны создать особую атмосферу, скорректировать неудачную планировку и визуально увеличить пространство.
  • Рисунки сохраняются длительное время, так как не выгорают. Креативная расписанная стена становится активным элементом интерьера.
  • Каждая комната в квартире требует особого подбора узора, поэтому следует рассмотреть предложенные идеи для каждого из помещений, в зависимости от его предназначения.

Роспись стен своими руками

Вашему вниманию пошаговый мастер-класс декорирования стен узорами. Перед тем, как приступить к работе, необходимо заготовить:

  • кисточки;
  • простой карандаш;
  • линейку;
  • акриловые краски;
  • лак.

После приобретения всех необходимых материалов, можно переходить к работе.

  1. Выберите изображение и нужное место в доме, где он будет нанесен.
  2. Очистите поверхность от отделки, оштукатурьте и покройте его грунтовкой. Главное- хорошо просушить поверхность, оставив на сутки.
  3. Опытный художник может наносить эскиз прямо на стенку, используя линейку и карандаш.
  4. Остальным можно выбрать любую фотографию из интернета. Чтобы перенести рисунок на стену, лучше всего расчертить изображение на равные квадраты, и, увеличив их масштаб, разметить то же количество квадратов на стене. После этого вам останется только перенести содержимое каждого квадрата на соответствующий сегмент на стене в деталях.
  5. Завершив перенос орнамента, окиньте его свежим взглядом, подправьте недочеты и шероховатости.
  6. Приступайте к раскрашиванию. Для этого смешайте на палитре белую акриловую краску с колорантами из отдельных банок.
  7. Только после того как вы убедитесь, что композиция нанесена ровно, ее можно покрывать матовым лаком.

Важно! Лучше заранее разводить в немного больших количествах, чем нужно, так как бывает сложно получить такой же оттенок второй раз.

«Стенопись»- особенный вид искусства, имеющий в своем арсенале массу средств для реализации наиболее смелых идей. Теперь вы с легкостью сможете экспериментировать, создавая эксклюзивное решение для изменения облика квартиры.

Современные техники росписи

Перед тем, как сделать рисунок на стене краской или штукатуркой, следует ознакомиться с современными технологиями их нанесения.

  • Аэрография. Художники могут пользоваться жидкими и порошкообразными красителями, среди которых наиболее распространен растворимый акрил.
  • Граффити. Этот вариант отделки, пришедший в квартиры с улиц, традиционно выполняется аэрозольными баллончиками.
  • Гризайль. В переводе означает «серый», а рисунки выполняются в традициях одного цвета.
  • Рисунки на стенах в квартире получаются по влажной штукатурке шпателем.
  • Рисунки жидкими обоями на стене выполняются так: предварительно прорисовываются орнаменты, а жидкие обои наносятся специальным прозрачным шпателем по конуру изображения. Детальное описание техники вы увидите на видео ниже.
  • Трафареты для стен применяют с целью создания сложного орнамента на стенках. С помощью трафарета можно создавать объемные композиции на стенах, используя штукатурку или гипсовые смеси. После этого заготовка удаляется со стенки, а штукатурка корректируется и раскрашивается.

Технология создания рисунков на стене

При покраске стен существует несколько главных вопросов, на которые нужно дать ответы:

Какая краска подойдет?

Цвет, конечно, выбираете по желанию, это лично ваше дизайнерское решение. А вот от типа краски будет зависеть ее устойчивость к воде, теплу и вообще, как долго она продержится. Рекомендуем использовать водоэмульсионные краски, они хорошо переносят тепло и влажность, не отслаиваются, покрытую ими поверхность можно мыть, подходят для всех помещений в квартире.

Чем красим: кисточка или валик?

Перед нанесением нужно сделать однотонный фон.

  • Валик: для этого лучше использовать валик, им значительно быстрее покрывать большие ровные поверхности, краска ложится равномерно, не оставляя разводов.
  • Кисточкой вы потратите значительно больше усилий и времени. Она подходит для меньших предметов, рельефов, где валик не достанет в труднодоступные места (мебель: стульчик, шкаф и т.д.).

СОВЕТ: При покраске стен кисточку удобно использовать в углах, как дополнение к валику, также она пригодится при работе с трафаретами.

Живопись на стенах

Эта простейшая технология переноса картины на стену, при которой понадобятся навыки и талант художника. Роспись можно заказать профессионалу, заранее ознакомившись с его работами. В этом случае можно будет выбрать наиболее подходящий эскиз и даже вносить изменения в процессе работы.

Другой вариант – заказать копию известной картины, фотографию, и даже свой собственный рисунок. Так же, по заказу делаются от руки рисунки карандашом, при этом специалист по росписи точно воспроизводит утвержденный макет, масштабируя его на стену.

Здесь есть еще больше идей для интерьера!

Рисунки 3д популярные в уличной живописи, постепенно осваиваются и в оформлении внутренних стен.

Небольшие рисунки с эффектом прорыва пространства стали излюбленным декором в стиле модерн. В просторных помещениях используются более масштабные природные или городские пейзажи.

При наличии способностей к рисованию, можно взять кисть и в свои руки, и попробовать технику, при которой на стену наносятся сначала цветовые пятна, и затем уже обводятся контуры и наносятся штрихи, по ходу выступающие в воображении художника. Такая техника называется оконтуриванием.

Освоение масштабирования по квадратам при помощи специально расчерченных макетов может понравиться любителям кропотливой и детализированной ручной работы.

Терпение и аккуратность потребуется также и при использовании оригинальной техники рисования по тени, макеты для которой вырезаются из плотного картона и фиксируются против источника света на нужном расстоянии.

Рисунки по трафарету – увлекательно и модно

Оригинальное зеркальное оформление при помощи цвета

Можно сделать трафарет своими руками, еще проще – купить в строительном магазине. В продаже сейчас небольшой выбор интересных узоров и рисунков, поэтому интересней в плане дизайна хенд-мейд.

А можно сделать простой, но красивый трафарет самостоятельно:

  • За основу трафарета берем любой понравившийся рисунок, например, кленовый лист. Можно также скачать интересные рисунки из сети и распечатать на принтере.
  • В качестве исходного материала нужен прочный и гибкий прозрачный материал. Подойдет прозрачная папка для бумаг (плотная) или лист прозрачного тонкого пластика.

  • Можно ограничиться и плотным картоном, но надо обработать его по краям клеем ПВА, чтобы краска не размазывалась при нанесении и не размачивала контур. А можно заламинировать, что намного надежней.
  • Закрепляют трафарет на стене при помощи специального клея, скотча или изоленты. Надо наклеивать аккуратно, чтобы не повредить штукатурку.
  • После нанесения краски при помощи аэрозоля, кисточки или валика, перемещаем трафарет по предварительно нанесенной разметке дальше. Важно соблюдать основное правило – всего должно быть в меру. Не стоит делать много рисунков. Достаточно одного, но красивого и стильного. Можно расположить декор по углам комнаты или создать на одной стене оригинальную композицию.
  • После высыхания краски дополнительно можно покрыть рисунок матовым или глянцевым лаком на водной основе, тогда стены можно будет легко мыть. Мне, например, очень нравятся рисунки в графическом стиле. В этом случае вместо краски можно создать рисунки карандашом на стенах. Подойдут любые карандаши и мелки, но мне хотелось бы поделиться своими впечатлениями о пастели и восковых карандашах. Пастель поможет воплотить самые яркие фантазии. Пастель – это мелок, состоящий из красящего пигмента, мела и связующих компонентов.
  • Мягкая (сухая) пастель – представлена более чем 110 оттенками, великолепно смешивается и позволяет создавать мягкие плавные «бархатистые» рисунки.
  • Масляная – в основе этой пастели воск и минеральное масло с добавкой красителей. Этот вариант ярче и насыщенней. Великолепно подходит для рисунка по простому трафарету.
  • Восковая – состоит из воска и пигментов. Это самый стойкий к истиранию вариант пастели, но для рисования необходима ровная оштукатуренная поверхность. Цвета яркие, интенсивные. Красиво сочетается с сухой пастелью.

Витраж, выполненный воском и обычным грифелем

Восковые карандаши – состоят из натурального воска, такие стоят дороже и подходят для декора детских комнат, так как абсолютно безопасны. Есть карандаши из синтетического воска, цена которых в два раза ниже, можно применять в декоре любых помещений.

Такой декор в двух цветах с перетеканием легко выполнить восковыми мелками

В отличие от пастели карандашами можно выполнять рисунки в любой технике (графика, пейзаж, натюрморт, растушевка).

Пастель и восковый мелок – элегантная сакура

Восковые рисунки карандашом на стене очень интересны, но как работать с этими материалами:

  1. Острие, торец или бок воскового карандаша позволяют делать линии разной толщины и насыщенности.
  2. Штрихи можно растушевывать тампоном или просто руками.
  3. При растушевке получается интересный эффект «размытости», который скроет некоторые огрехи рисунка.

Жидкие обои и центральная композиция пастелью с воском

  1. Можно рисовать в смешанной технике – поверх линий, нарисованных восковым карандашом можно нанести краску на водной основе – закрасятся только те места, где нет воска.
  2. Точить восковой карандаш удобно ножиком для овощей или перед заточкой подержать его под струей горячей воды.

Абстрактные узоры не ограничены строгостью линий

Если есть желание рисовать и сухой пастелью и воском, то сначала наносим пастель, а потом восковые линии. По воску сухая пастель просто не ляжет.

Изысканная и нежная спальня

Стереть некоторые линии или подправить рисунок можно обычной школьной резинкой или катышком белого хлеба.

Для любых рисунков очень удобна меламиновая губка – удаляет практически все краски без следа, помогает сделать красивый и четкий контур.

Графика в современном стиле

Плавные линии графики

При помощи трафарета и набора простых карандашей разной степени жесткости также можно оригинально декорировать комнату или коридор. Рисунок на стене в графическом стиле прекрасно подчеркивает интерьер в духе современного минимализма или же в выдержанном азиатском стиле.

Ребенок будет в восторге

Приступая к творчеству, надо учитывать, что жесткий карандаш (Н) дает тонкую светлую линию, а мягкий (М) грифель более толстую и насыщенную. Для растушевки и штриховки лучше пользовать карандашом маркировки НМ (твердо-мягкий вариант грифеля).

Сдержанный монохромный дизайн

Эта техника удобна тем, что рисунок всегда можно стереть обычным ластиком или смыть губкой. Закрепить узор на стене поможет обычный прозрачный лак. Интересно, но даже обычный лак для волос тоже хорошо фиксирует рисунки, сделанные простым карандашом.

Избегайте в композиции мелких деталей

Интересная идея для графических рисунков – обводить контур тени, которую отбрасывает обычный проектор для диафильмов. В принципе подойдет и лампа с узким плафоном. Нам нужен направленный луч света, к которому можно приложить эскиз рисунка.

На стене отображается нужный нам узор, а мы его просто обводим карандашом и декорируем по своему усмотрению.

Некоторые особенности росписи по штукатурке

Сложный трафарет для акриловых красок

Трафарет готов, краски выбраны и куплены. Пора приступать к оформлению.

На этом этапе важно соблюдать определенную последовательность:

Стена должна быть чистой, в идеале, недавно оштукатуренной. Но можно рисовать и по светлым обоям, главное, чтобы они были чистыми.

Не увлекайтесь обилием деталей в композиции, чем проще, тем лучше

  1. При помощи линейки и уровня наносим разметку, карандашом отмечая края трафарета. Надо располагать его четко по вертикали и горизонтали, без перекосов.
  2. Перед тем как наносить краску лучше потренироваться на листе бумаги и выбрать подходящий цвет и технику нанесения.

Рисунок переносим на стену

Приклеиваем трафарет к стене и начинаем наносить краску. Для любых типов отделки подходят акриловые красители (они универсальны и ложатся на любую облицовку), но смыть их с поверхности будет сложнее, чем пастель или воск.

Губкой удобно делать тень и переход от одного цвета к другому

  1. Важно чтобы не было потеков. Поэтому наносим краску небольшими порциями кисточкой, а лучше губкой.
  2. Кисточку держим прямо, перпендикулярно к стене и как бы вбиваем краску в стену.

Удобно пользоваться при отделке аэрозольными красками, но в этом случае надо защитить стену от случайного попадания капель краски. Подойдет обычная бумага или пленка.

Жизнерадостная композиция

Красиво смотрятся анти трафареты. Если делаем выкройку узора сами, то вырезанную внутреннюю часть не выбрасываем, она пригодится для анти трафарата.

При такой технике краска наносится вокруг узора, образуя своеобразный ореол вокруг элемента, как видно на фото. Интересный декор получается, если чередовать узоры с внешним и внутренним раскрашиванием.

Набивка краской

Для набивки понадобится всего пара оттенков. Основная работа проводится при помощи малярной кисточки или обычной кисти. Корректировка контура требует использования акварельных кистей. Ускорить процесс поможет распыление баллончика с краской.

Внимание! Избежать корректировок поможет соблюдение двух правил. Обеспечить плотную фиксацию поможет малярный скотч, использование которого не нарушит покрытие стены. Добиться рельефности поможет применение тонкой шпатлевки, при нанесении которой используется шпатель. Рисунок получается объемным, выступает за пределы стены на 1-1,5 мм.

Оттенок и форма

После нанесения основы рекомендуется приступать к следующему этапу. В контуры следует вдохнуть жизнь, в результате изображение обретает необходимый вид.

Роспись нарисованного карандашом рисунка

При росписи используются краски на водной основе, палитра для соединения оттенков. В первую очередь наносится прозрачный слой, за счет него обеспечивается распределение цвета. Цветовыми пятнами постепенно заполняется вся картинка. На данном этапе не рекомендуется использовать яркие цвета. Расположенные на переднем плане предметы рекомендуется прорисовывать максимально четко. Мелкие детали следует прописывать после нанесения основного рисунка, при проведении работ используются тонкие кисти.

Технологический процесс

Прежде чем рисовать художественные шедевры, поверхность нужно предварительно обработать и определиться, какие краски используют в схожих условиях.

Подготовительные работы

Порядок первоочередных манипуляций, обеспечивающих качественное рисование на потолках и стенах:

  1. Перед тем как подготовить стену, конструкцию, подвергаемую отделке ранее, следует очистить: удалить обои и покрашенный слой, смыть побелку, рыхлую штукатурку.
  2. Следует обезжирить стену, обеспечивая будущую адгезию отделочных материалов к поверхности. Обезжиривателями могут выступать уайт-спирит или специальная грунтовка.
  3. Следующий шаг – выровнять поверхность оштукатуриванием по уровню. Финишная шпаклевочная смесь выровняет стену окончательно.
  4. После сушки – пройдитесь по основанию наждачной шкуркой и лучше устраните образовавшуюся пыль.
  5. Валиком или кисточкой обработайте поверхность акриловым грунтом. Грунтовка обеспечит дополнительные качественные показатели окончательной картинки: зафиксирует основание, воспрепятствует осыпанию, обеспечит высокий коэффициент адгезии красящего пигмента со стеной. После застывания стену можно считать подготовленной.

Одинаковая грунтовка не подходит для сухого помещения и комнаты с повышенной влажностью. Во влажной комнате лучше применять влагостойкие смеси с антисептическим эффектом. Сухое помещение требует предварительной пропитки акрилатным раствором, после проводят художественную роспись внутренних или внешних стен акрилом.

Нанесение рисунка

Технология разделена на определенные этапы, чтобы знать, как расписать стену правильно, их стоит придерживаться:

  1. Первоначальный – подбор идейной направленности рисунка.
  2. Художник своими руками набрасывает эскизы и определяется с финальным вариантом настенной картины, после согласования можно рисовать.
  3. Базовые контуры перекладывают на стену и линейно отрисовывают.
  4. Как только нарисовали контуры – по ним прорисовывайте выборочные пятна картинки. После придают изображению объема, финальная часть – детализация. Подобное разделение технологического процесса на конкретные этапы позволяет зафиксировать целостность образа и моментально исправлять дефекты с расписанными локализируемыми участками, чтобы в итоге получить картинку, которая бы называлась идеальной.
  5. После завершения нанесения краски для росписи стен, поверхность следует покрыть невидимой матовой лакировкой на базе акрила. Лак использовали, чтобы увеличить сопротивление слоя воздействиям внешней среды.

В теории техника росписи стен довольно вариативна:

  • Рисунки на стенах, занимающие огромные площади, легче претворить в жизнь аэрографом (немного видоизмененный краскопульт) или красками, что в аэрозольных баллончиках.
  • Рисовать на стенах своими руками желательно плоскими либо круглыми синтетическими или из натурального материала кистями (из беличьей шерсти либо свиной). В творческом процессе, когда рисуем своими руками, помогают художественные лопатки, валики, скотч, куски поролона, тряпки.
  • Необязательно быть искусным художником для воплощения картины на стене – достаточно обозначенными инструментами сработать под трафарет или заготовку.

Отделку акриловыми красками называют оптимальным вариантом оформления стен в интерьере своими руками. Декоративные материалы показывают «мастер-класс» среди покрытий схожего предназначения. Не всегда человек, который способен хорошо расписывать с помощью краски стены, называется художником или дизайнером, специальное профильное образование не является важнейшим критерием для выполнения работ. Задействовав усердие, можно также рисовать на стене несложные орнаменты и расписывать своими руками дерево краской (в случае комбинированных работ).

Преимущества рисования картин на стенах

Рисование на стенах дает большое количество преимуществ. В первую очередь это отличный способ усилить выразительность интерьера.

Преимущества:

  • индивидуализация интерьера;
  • большой выбор вариантов оттенков;
  • возможность построения концептуального проекта.

[spoiler title=»Источники»]

  • https://kitchendecorium.ru/accessories-decor/dekorirovanie/risunki-na-stenah.html
  • https://trudogolikam.ru/interer-dizajn/risunki-na-stenax-svoimi-rukami-luchshie-idei-dizajna.html
  • http://kallibry.ru/uzory-i-risunki-na-stenax/
  • https://strojka-gid.ru/risunki-na-stenax/
  • https://jkuhnya.ru/steni/1292-risunki-na-stene
  • https://otlichnyjremont.ru/steny/kak-delat-risunki-na-stenah-v-kvartire.html
  • https://GidPoKraske.ru/okrashivanie/dekor/risovanie-na-stenah.html
  • https://uprostim.com/interery-komnaty-110-risunkov/
  • https://shkolarukodelia.ru/kak-narisovat-komnatu/
  • https://spark-welding.ru/lkm/graficheskie-risunki-na-stenah.html

[/spoiler]

Публичная группа Paint It Beautiful

Добро пожаловать в Paint It Beautiful!

Эта группа была создана нами, сотрудниками Homestead House Paint Co. и Fusion Mineral Paint, чтобы у вас была платформа для обмена проектами, советов и вдохновения для всех продуктов Homestead… More House и Fusion.

Что такое Homestead House Paint Co.? Homestead House занимается производством красок для дома и молочных красок уже более 30 лет. Это семейный бизнес с 1989 года, когда несколько поколений работают вместе, чтобы предоставить вам экологически чистые продукты высочайшего качества.

Что такое Fusion? Созданная на основе почти двух десятилетий опыта работы в Homestead House, Fusion — это формула Дженнилин, созданная, чтобы преобразить практически все в вашем доме с неизменным качеством. Со страстью к домашнему декору и ремонту, Дженнилин создала простую в использовании профессиональную формулу для повседневного домашнего мастера.

Поскольку мы являемся постоянно растущей группой с большим и увлеченным сообществом художников, иногда вы можете получить неоднозначные советы. Если вы обнаружите, что получаете противоречивые советы от своих коллег-художников, свяжитесь с нами напрямую по адресу info @ fusionmine ralpaint.com или info @ homesteadh ouse.ca для получения наиболее точной информации о том, как использовать любой из наших продуктов.

Хотите продолжить изучение некоторых видеоуроков? Посетите наш YouTube ниже:
https: // www.youtube.com/ channel / UCr4_SaRkRUSk6PY 7RNqmVwg

Где купить Fusion?

Посетите нашу страницу «Где купить» ниже, чтобы узнать о ближайшем местном розничном торговце! Мы всегда рекомендуем идти лично, чтобы вы могли просмотреть образцы цветов и задать своему компетентному продавцу любые вопросы, которые могут у вас возникнуть.Не достаточно близко, чтобы пойти лично? Выберите ближайшего проверенного интернет-магазина — его можно узнать на карте по фиолетовым булавкам 🙂
https: // fusionmineralpai nt.com/ where-to-buy /

Где купить Homestead House?

https: // shop.homesteadho use.ca/

Правила:
1. Будьте добры! Доброта не подлежит обсуждению. Будьте добры, если вы не предпочитаете иногда уникальную эстетику живописи, и будьте добры, если у вас противоположные мнения о техниках рисования.

2. У нас есть политика абсолютной нетерпимости к критике других брендов или продуктов, но мы также не продвигаем их. Есть много замечательных общих групп красок, которые можно использовать, если вы ищете совет по продуктам, которые не являются нашими.

3. Мы не обсуждаем «какой бренд лучше» — подобные сообщения будут удаляться.

4. Жестокие или непристойные выражения и содержание потребуют от вас немедленного удаления.

Если вы видите какое-либо сообщение или комментарий, нарушающие вышеуказанные правила, сообщите о них модераторам группы, чтобы они оценили его, чтобы мы могли поддерживать наше любящее и страстное сообщество.

Конфиденциальность : Мы уважаем вашу конфиденциальность и интеллектуальную собственность, мы ожидаем того же в обмен на привилегию быть частью этой группы. Размещая свои фотографии до и после, вы предоставляете Homestead House Paint Co. и Fusion Mineral Paint разрешение на повторную публикацию вашего контента для дальнейшего ознакомления сообщества художников с нашими продуктами.

25 лучших рисунков для гостиной с изображениями

Тем, кто ищет способы украсить гостиную и сделать ее уютной и привлекательной, не волнуйтесь, все, что для этого требуется, — это свежий слой краски.Эти цвета для гостиной могут мгновенно преобразить вашу семейную комнату и являются недорогими. Прокрутите вниз, чтобы найти некоторые из последних рисунков в гостиной, которые обязательно принесут бесчисленное множество комплиментов вашему прекрасному дому!

Последние цвета краски для гостиной:

Вот наши 25 простых и современных дизайнов гостиной с изображениями. Давай посмотрим на них.

1. Лучший цвет краски для маленькой гостиной:

Здесь мы видим одну из цветовых идей маленькой гостиной со стенами, окрашенными в эффектный синий оттенок, который придает комнате расслабленный вид.Комбинация коричневых стульев и зеленого дивана и белых светильников создает красивый контраст с этой комнатой, а произведения искусства подчеркивают синий цвет на стенах, делая эту комнату непринужденно шикарной. Белый стол в центре с зеленью в серых вазах и белый потолок добавляют яркости и элегантности, делая эту комнату более привлекательной.

2. Дизайн стен для гостиной:

Это отличное сочетание цветов для гостиной, которое украсит вашу гостиную цветами и сделает ее шикарной в доме с детьми.Причудливое расположение пустых цветных рамок для картин на серой стене придает всей обстановке трехмерный эффект. Разноцветные подушки, со вкусом расположенные на сером диване, добавляют комнате жизни и шика. Розовые, желтые и серые вязаные пуфы небрежно сочетаются с этой удобной и функциональной гостиной.

3. Сочетание двух цветов для гостиной:

Здесь мы представляем красивую двухцветную комбинацию серого и розового цветов, используемую в стене гостиной.Серый оттенок добавляет комнате глубины, а привлекательный розовый облегчает ее украшение. Это интересное сочетание цветов для гостиной оживляет комнату, а выбранные произведения искусства идеально сочетаются с цветом задней стены и хорошо сочетаются, не противореча друг другу. Диван предлагает контраст, который нужен розовой стене с розовыми и серыми подушками. Открытые полки эстетично смотрятся и идеально подходят для хранения всяких безделушек, сувениров и книг.

4. Сочетание трех цветов для гостиной:

В этой комнате, предназначенной для общения и отдыха, мы видим три различных типа цветовых решений для гостиной.В этой цветовой гамме все цвета должны соответствовать друг другу. Здесь использованы теплые бежевые и темно-синие цвета, а обе стены имеют белую кайму у пола. Мебель в номере тщательно подобрана и придает ей уютный, теплый и гостеприимный вид.

5. Текстурная живопись для гостиной:

Здесь мы увидим, как красиво текстурированная краска была использована для украшения задней стены ярко-розовым цветом с грубой отделкой. Розовый — очень приятный цвет, который прекрасно сочетается с белыми шторами, чтобы комната выглядела красивой и воздушной.Диван из темной кожи с круглым столиком по центру идеально дополняет декор и цветовую гамму гостиной. Розовая стена напоминает уникальную картину, в которой яркие акценты придают комнате доступный и уютный вид.

Узнать больше: Новые дизайны гостиной

6. Сочетание цветов азиатских красок для гостиной:

Это гостиная, в которой розовый был использован в цветовой гамме гостиных разных оттенков. Розовый — это один цвет с успокаивающими тонами, и он идеально подходит для комнаты, где можно расслабиться.Естественный свет через окна со со вкусом расставленными подушками делает комнату светлой и воздушной. Диванные подушки представляют собой интересную комбинацию еще одного оттенка розового и синего, которая сочетается с их настенными аналогами и помогает гармонично сочетать весь декор.

7. Идеи для рисования на холсте для гостиной:

Эта идея покраски для маленькой гостиной — еще один прекрасный способ украсить стены в гостиной, где большая картина на холсте украшает серые стены этой гостиной.Это новаторский способ привлечения внимания с акцентом на картину, создающую атмосферу умиротворения и умиротворения. Здесь мы можем увидеть, как красочная картина на холсте усиливает эстетическую привлекательность гостиной.

8. Неролак Цветовая комбинация для гостиной:

Мы видим, как холодный синий и яркий мандарин удивительно сочетаются друг с другом в этой гостиной и создают идеальный баланс для создания стильного декора. Эти цвета прекрасно дополняют друг друга и выглядят динамично в сочетании друг с другом в сочетании цветов в интерьере гостиной.Серые подушки и произведения искусства подчеркивают лучшее из обоих цветов и добавляют эстетической привлекательности и красоты этой гостиной.

9. 3D-рисунки для гостиной:

Здесь мы видим яркую и привлекательную фреску, которая помогает украсить эту гостиную. 3D обои состоят из абстрактных настенных обоев с современным дизайном в виде завитков. Трехмерные настенные рисунки для гостиной поражают и сочетаются с красным диваном и белым столом, что подчеркивает контрастные черно-белые тона дизайна.Эти самоклеящиеся 3D-обои можно персонализировать, и освещение имеет решающее значение, потому что оно делает их очень реалистичными, когда на изображение попадает нужное количество света.

10. Королевские краски для гостиной:

В гостиной здесь есть фактурные обои более глубокого желтого оттенка, которые создают идеальный фон для этого красивого оливкового удобного дивана, окрашенного в классические цвета для гостиной. Вся обстановка выглядит чистой, теплой и привлекательной с торцевым столиком с тремя ящиками бежевого оттенка.Синий горшок с зеленью дополняет внешний вид и придает комнате приятную сбалансированную отделку и придает намного больше визуального интереса вашему пространству.

Узнать больше: Конструкции потолков для гостиной

11. Цвета краски для гостиной в деревенском стиле:

Окунитесь в деревенское тепло и комфорт этой современной гостиной, оформленной в простом стиле. Цветовые узоры для гостиных представляют собой сочетание землистых тонов, где вишнево-красный цвет на стенах с произведениями искусства придает особый вид этой необычной комнате.Элегантная мебель в этой комнате дополняет деревенскую атмосферу, которая дополнительно подчеркивается камином в каменной стене и большими окнами, которые пропускают много естественного света и свежего воздуха, завершая общий вид этой гармоничной и красивой гостиной.

12. Идеи для гостиной Nippon Paint:

Здесь мы видим великолепную синюю гостиную с очевидным успокаивающим эффектом благодаря правильному тону синего цвета на стенах и подходящему к ней дивану с бархатной обивкой. Коврик с синим и белым узором в тон, добавит элегантности этой непринужденной, но в то же время шикарной гостиной.Эта однотонная синяя гостиная сохраняет комнату яркой и расслабленной, а лучший цвет краски для небольшой гостиной усиливает ее современную атмосферу.

13. Юго-западные цвета для гостиной:

Это гостиная среднего размера с каменной каминной полкой, стены которой окрашены в разные бежевые оттенки от светлого до темного. Стена за камином окрашена в более светлый оттенок бежевого, где яркая роспись подчеркивает фактуру использованной краски.Цвета краски интерьера гостиной и деревянная отделка, использованная в этой комнате, имеют более темные оттенки и текстуры с кожаными акцентными стульями и лампами, которые выделяют кремовый цвет вокруг и подчеркивают интерьер, делая его уютным и привлекательным!

14. Цвета современной гостиной:

Эти рисунки и цвета для гостиной помогают оживить эту современную гостиную. Стены со вкусом украшены произведениями искусства и светильниками, которые придают изысканный вид вашей гостиной.Правильный выбор мебели, которая выглядит современно и комфортно, дополняет внешний вид, а использование различных оттенков шоколадно-коричневого и бежевого придает комнате богатый вид и выглядит стильно.

15. Классические цвета краски для гостиной:

Здесь мы видим, как небольшая гостиная выглядит просторной при соответствующем выборе цветов, и мы видим два цветовых сочетания для гостиной, которые хорошо дополняют друг друга. Белый диван с подушками делает интерьер уютным и уютным.Прозрачный стол в центре создает иллюзию большего пространства, а темно-синий абажур отлично сочетается с декором на синем фоне. Окна большие и чистые, через них проникает много естественного света, благодаря чему комната кажется большой, яркой и просторной.

Узнать больше: Лучшие шторы для гостиной

16. Серая цветовая схема Гостиная:

В этой гостиной мы можем видеть, как серые оттенки сочетаются с одним из последних цветов для гостиной, и это отличный выбор для шикарной семейной комнаты.Эта гостиная в сером цвете обязательно сделает заявление, в то же время сохраняя современную атмосферу, которая идеально подходит для вашей гостиной с акцентами и мебелью. Он придает комнате глубину, а также раскрывает смесь теплых и холодных тонов. Нежные цвета этой гостиной выглядят изысканно и стильно и создают идеальный баланс.

17. Сочетание красного цвета для гостиной:

Красный — интенсивный доминирующий цвет и один из модных цветов гостиной, который добавляет драматизма вашему интерьеру.Знойный цвет придает стиль и глубину и может привнести много страсти в вашу великолепную гостиную. Этот яркий цвет передает много энергии и может поразить минималистскую комнату своей яркостью. Светлые стены и ковер создают тонкий контраст, который дополняет эту комнату, оформленную в красных тонах, и создает гармоничную и изысканную отделку.

18. Гостиная зеленого цвета:

Мы видим яркое естественное сияние в интерьере комнаты и цветовой гамме интерьера гостиной в этой гостиной.Ярко-зеленый цвет на стенах этой гостиной улавливает свет, приносит освежающий глоток свежего воздуха и создает впечатление расслабления среди зелени. Узорчато-зеленая стена сочетается с зеленым и черным диванами и является лишь оттенком вашей семейной комнаты. Мебель и большие окна с остеклением пропускают много естественного света и дарят притягивающее внимание сияние!

19. Бежевый цвет для гостиной:

Это гостиная с чистыми линиями, в которой акценты создают атмосферу ультра-шика.Изящный декор сочетается с деревянным журнальным столиком, поскольку он гармонирует с различными оттенками бежевого и предлагает идеальные цветовые решения для гостиной. Ткани с рисунком и удобные диваны дополняют внешний вид и создают гостиную в бежевых тонах, где интерьер создает отличное сочетание спокойного и успокаивающего декора. Все место выглядит уютным и привлекательным, а дневной свет добавляет атмосфере комнаты.

20. Сочетание желтого цвета для гостиной:

Войдите в эту гостиную в желтом цвете, который выглядит как лучи солнца и является одним из цветов, в который вы можете влюбиться.Желтый — жизнерадостный цвет, одна из лучших цветовых комбинаций для гостиной, которая может сделать даже унылую комнату очень свежей. Желтому подходят несколько цветов, которые вы можете включить в свою цветовую схему. Серые подушки и растения в горшках добавляют яркости и дополняют радостный цвет стен. Этот солнечный оттенок очень универсален и смел, а выбор правильного сочетания подушек и произведений искусства поможет создать гармоничный образ вашей гостиной.

Узнать больше: Последние идеи украшения гостиной

21.Сочетание светлых цветов для гостиной:

Это очаровательный семейный номер с интерьером, сочетающим в себе цветовые решения для неподвластной времени гостиной и создающий успокаивающий и стабилизирующий вид. Подушки в голубую полоску и коврик добавляют к прохладным тонам комнаты, делая ее более воздушной и светлой. Деревянная мебель гармонирует со стильным декором этого номера. Тонкая цветовая гамма придает ему привлекательный современный вид и в то же время выглядит безмятежно, утонченно и элегантно.

22.Гостиная синего цвета:

Войдите в эту впечатляющую гостиную в великолепном синем цвете с красками интерьера гостиной, которые красиво обрамляют окно с безупречной красотой выбора штор и используемой мебели. Они придают этой комнате очевидный успокаивающий эффект и помогают этой однотонной голубой гостиной выглядеть непринужденно шикарной и непринужденной. Подходящие бело-голубые керамические ваза и подушки добавляют визуальный интерес к комнате и делают ее светлой и воздушной.

23.Сочетание розовых цветов для гостиной:

Вопреки заблуждению о том, что розовый относится к женскому или девчачьему цвету, эта красивая гостиная в розовом цвете показывает, что его можно использовать для оживления внешнего вида стены и быть одним из лучших цветов для гостиной. Розовый можно назвать изысканным цветом, способным создать наиболее значительный визуальный эффект. Украшение комнаты несколькими красивыми подушками и произведениями искусства может быть как успокаивающим, так и ярким. Если акцентировать внимание на соответствующих произведениях искусства на стенах, он может гармонично вписаться в весь декор и дать нам яркую и насыщенную гостиную.

24. Сочетание фиолетового цвета для гостиной:

Пурпурный — это цвет, который всегда ассоциируется с королевской семьей, и он достаточно мощный, чтобы придать бодрости любому пространству своим богатством. Цветовые комбинации фиолетового в интерьере гостиной варьируются от приглушенных до смелых. Белая мебель и стильные торшеры красного цвета создают контрастные цвета, необходимые для этого декора. Яркие пурпурные цвета стен делают это место ярким, воздушным, полным позитивной энергии, что идеально подходит для этой гостиной в стиле минимализма.

25. Сочетание оранжевого цвета для гостиной:

В этой минималистской гостиной, окрашенной в оранжевый цвет, мы видим, насколько хорошо оформлено оформление, чтобы подчеркнуть красоту мандариновых стен и сделать их лучшим цветом для маленькой гостиной. Современные серые диваны с со вкусом обставленными темно-оранжевыми подушками идеально подходят к белой цилиндрической лампе. В этом декоре мы видим бесшовное сочетание, где каждый предмет в этой комнате гармонично сочетается с другим.

Узнать больше: Как украсить гостиную

Советы по цвету гостиной:

  • Выбор цвета очень важен, так как при домашнем освещении он может выглядеть иначе.Не согласовывайте цвет с тем, что вы видите на плитке.
  • Некоторые цвета могут сделать гостиную просторной и всегда начинаться с потолка.
  • Перед тем, как приступить к покраске, убедитесь, что все трещины и отверстия устранены.
  • Освободите комнату от всех вещей.
  • Не забудьте защитную тряпку, так как несчастные случаи могут произойти даже с лучшими людьми.
  • Храните все окрасочное оборудование в одном месте.
  • Не пропускайте грунтовку стены, это сделает поверхность гладкой.

Гостиная — это универсальное место в вашем доме, которое должно выглядеть привлекательно и в то же время быть удобным для вас и ваших гостей. Атмосфера должна быть такой, чтобы оставлять неизгладимое впечатление и быть местом, которое инициирует прочные отношения. Это делает выбор цвета стен очень важным, и для гостиных необходимо выбирать цветовую гамму, которая сочетается с мебелью и декором вашего дома. Мы надеемся, что эта подробная статья поможет вам найти тот, который лучше всего подходит для вашего дома.

Бабушка использует Microsoft Paint для создания красивых рисунков

  • Конча Гарсиа Заера создает цифровые шедевры с помощью Microsoft Paint.
  • 87-летняя бабушка часто тратит две недели или больше на один рисунок, уделяя пристальное внимание деталям.
  • Заера начала рисовать в Microsoft Paint 12 лет назад, когда ее муж заболел.
  • Ее картины недавно стали вирусными в Instagram и Twitter.

Бабушка из Валенсии, Испания, стала популярной благодаря своим замысловатым рисункам природы и пейзажей. Каждый из них расписан вручную, но не обязательно так, как вы ожидаете.

Конча Гарсия Заера создает свои цифровые шедевры с помощью Microsoft Paint, часто тратя две недели или больше на один рисунок.Согласно UltimaHora, 87-летняя девушка запускает программу редактирования графики в Windows 7 и использует мышь, чтобы совершенствовать свои картины.

Действительно, ее работы демонстрируют невероятное внимание к деталям: волны разбиваются о берег; травинки развеваются на ветру; свет и тени добавляют движения и глубины. Заера сказала La Vanguardia, что ее часто вдохновляют открытки, отправленные ее мужем и детьми.

Давний энтузиаст искусства, Заэра рассказала Радио Валенсия, что использовала свои творческие способности на уроках масляной живописи.Но сильный запах масляных красок помешал ей заниматься дома, и в конце концов ей пришлось прекратить. К счастью, после того, как дети подарили ей компьютер, бабушка поняла, что может продолжать рисовать с помощью Microsoft Paint.

Это было около 12 лет назад, примерно в то время, когда заболел ее муж, — сказала Заера в интервью El Mundo. «Мне приходилось ухаживать за ним, поэтому я не могла часто выходить на улицу», — объяснила бабушка в переводе с BuzzFeed.«Я начал рисовать мелочи: сначала дом. На следующий день я добавил гору. […] Шаг за шагом я добавлял детали, и в конце концов результат был очень красивым. »

До недавнего времени Заера делилась своими работами с ограниченной аудиторией на Facebook. Согласно Vanguardia, она не перешла на Instagram, пока одна из ее внучок не предложила это.Когда в начале этого месяца ее картины стали вирусными — после того, как 9 марта пользователь Twitter femilimon опубликовал снимок экрана своего аккаунта, — у нее был всего 361 подписчик.

Теперь, менее чем через две недели, у бабушки более 124 000 подписчиков в Instagram, и их количество продолжает расти.

—Cara de cona🦁🍯 (@femilimon) 9 марта 2018 г.

Несмотря на свою вновь обретенную известность, Заера оставалась скромной в отношении своего таланта. «Я не очень хорошо понимаю, почему мои рисунки привлекают столько внимания», — сказала она Vanguardia.«Я думаю, что это очень простые вещи».

Подпишитесь здесь, чтобы получать любимые истории INSIDER прямо на ваш почтовый ящик.

Томас Моран и Big Pictures

Посетители главного внутреннего здания теперь смогут получить особое удовольствие. Вдохновленные экспедициями на Запад Америки, а затем совершившими собственное замечательное путешествие, в штаб-квартире Департамента теперь будут выставлены две удивительные картины-пейзажи художника Томаса Морана — краеугольные камни истории внутренних дел.У этих картин не только своя увлекательная история, они также сыграли важную роль в истории государственных земель нашей страны.

Какое отношение имеют пейзажи к нашим национальным паркам, заповедникам и другим местам отдыха? Чтобы ответить на этот вопрос, мы должны вернуться к Томасу Морану, родившемуся в 1837 году в Англии в семье двух ткачей. В 16 лет, перебравшись с семьей в Америку и поселившись в Филадельфии, Моран получил образование резчика по дереву.Его большой прорыв произошел, когда его попросили преобразовать любительские зарисовки Йеллоустонского района в Вайоминге — места, которое Моран никогда даже не видел — в произведения искусства, пригодные для публикации, для популярного литературного журнала Scribner’s. Вскоре Моран получил место в первой финансируемой государством экспедиции в Йеллоустон в 1871 году. Первые акварели Морана и последующий «Большой каньон Йеллоустоуна» убедили общественность в важности этого места.

Экспедиция, возглавляемая геологом Фердинандом Хайденом, была изнурительной.Йеллоустон находился в 500 милях от ближайшей железнодорожной станции, поэтому дни проводились на пыльных и опасных грунтовых дорогах в ухабистых фургонах. Когда группа достигла региона Йеллоустоун, там не было дорог; все нужно было нести на спинах животных или людей. Тем не менее, Моран сделал множество зарисовок, дополняющих черно-белые экспедиционные фотографии. Позже, руководствуясь своими набросками и воспоминаниями, он создал эти удивительные картины в своей мастерской. Благодаря своему цвету и выразительной красоте работы Морана явились мощным аргументом в пользу эстетического и трансформирующего опыта пребывания в великих местах и ​​их сохранения.

Акварели Морана были одними из самых убедительных доказательств, которые рассматривал Конгресс, когда он решил, что Йеллоустон станет нашим первым национальным парком. Художественная визуализация, полная красок и славы, позволила членам Конгресса представить красоту и влияние земли, которую они спасали для публики. И Моран навсегда носил Йеллоустон с собой, сменив подпись на «TYM», Томас «Йеллоустон» Моран.

Так же, как в 1872 году был принят Закон об охране Йеллоустонского национального парка, Моран закончил монументальный «Большой каньон Йеллоустона» размером 7 на 12 футов, который был куплен Конгрессом за 10 000 долларов и выставлен в Национальном скульптурном зале США.С. Капитолий. Моран создал идеальный образ Йеллоустона у Нижнего водопада. Его цель состояла не в том, чтобы обязательно запечатлеть топографически точную сцену, а в том, чтобы получить возвышенное впечатление, которое дает природа. Привлекательное использование Мораном света и тьмы, его чувство драматизма, которое может дать природа, и его абсолютно огромная сцена соединились в картине, которая пленила сознание нации. «Большой каньон Йеллоустоуна» был визуализацией того, что было поставлено на карту в сохранении, кистью художника, ценившего природу, что привело к общественному признанию важности природы.

Художественная связь Томаса Морана с чудесами природы Америки простирается далеко за пределы Йеллоустоуна. Другая его картина, «Пропасть Колорадо», была завершена в 1873 году после того, как Моран принял участие в исследовательской съемке Гранд-Каньона под руководством геолога-самоучки Джона Уэсли Пауэлла, который впоследствии стал вторым директором Геологической службы США. Опрос. Картина изображает эпическую красоту Гранд-Каньона с клубящимися облаками и текстурированными пиками.

После более чем 75 лет работы в США.С. Кэпитол, обе эпические картины Морана были переданы в интерьер в 1950 году, а затем выставлены во временное пользование в Смитсоновском музее американского искусства и его галерее Ренвика, а также были отправлены в бесчисленные музеи по всей стране. Теперь мы так рады, что шедевры Морана «Большой каньон Йеллоустона» и «Пропасть Колорадо» стали якорями новой выставки Томаса Морана и «Большая картина» в Музее интерьера. Картины Морана помогли вдохновить многое из того, что до сих пор движет интерьером.Всякая связь между людьми и этими невероятными местами — часть его наследия.

картин на тему красоты в искусстве

Знаете ли вы, что такое красота в искусстве? С субъективной точки зрения красота — это то, что вы о ней думаете, что вы предпочитаете, что взывает к вашему сердцу, душе и разуму. В этой статье представлены 12 картин на тему красоты в искусстве.

Чем бы вы ни считали искусство, а многие произведения искусства вызывают у вас разные реакции, ясно, что объяснение является сложным и не окончательным.

Венера из Урбино от Тициана

Венера из Урбино от Тициана

Венера из Урбино — это картина, созданная Тицианом в 1538 году. Титан изображает эротизм через обнаженную молодую женщину. Итальянская художница напоминает своим супружеским обязательствам о том, что ей придется выполнить перед мужем. Нынешнее местонахождение картины — Галерея дельи Уффици во Флоренции.

«Мадам Муассье» — Жан Огюст Доминик Энгр

«Мадам Муатессье» — Жан Огюст Доминик Энгр

«Мадам Муатессье» — картина, написанная Жаном Огюстом Домиником Энгром в 1856 году.Жан Огюст Доминик Энгр написал вторую версию этой картины, на которой мадам Муатессье изображена стоящей, а картина была завершена в 1851 году.

Большая одалиска, автор Жан Огюст Доминик Энгр

Большая одалиска, автор Жан Огюст Доминик Энгр

Большая одалиска — это картина, созданная Автор Жан Огюст Доминик Энгр в 1814 году. Эта картина также широко известна как Une Odalisque или La Grande Odalisque. Когда «Гранд Одалиска» впервые была выставлена ​​публично, она вызвала широкую критику со стороны зрителей и критиков.

Портрет принцессы де Бройль — Жан Огюст Доминик Энгр

Портрет принцессы де Бройль — Жан Огюст Доминик Энгр

Портрет принцессы де Бройль — картина, написанная Жаном Огюстом Доминик Энгр в 1853 году. Полин Элеонора де Бройль была прекрасной сестрой виконтессы Осонвиль которую французский художник написал, используя принцессу де Бройль в качестве ее изображения.

Метаморфоза Нарцисса. Автор Сальвадор Дали.

Метаморфоза Нарцисса. Автор Сальвадор Дали.

Метаморфоза Нарцисса. Картина, написанная Сальвадором Дали в 1937 году.Нарцисс был великой красавицей, любившей только себя, и считалось, что Бог наказал его, позволив ему увидеть свое зеркальное отражение. Нарцисс умирает от разочарования, что он не может заниматься любовью с самим собой.

Прочтите Кто такой Сальвадор Дали?

В консерватории — Эдуард Мане

В консерватории — Эдуард Мане

В консерватории находится картина, написанная Эдуардом Мане в период с 1878 по 1879 год. Картина Эдуарда Мане была впервые куплена музеем Национальной галереи в Берлине.Два показанных друга — друзья Мане в красивой одежде.

Флейтовый концерт Фредерика — Адольф Мензель

Флейтовый концерт Фредерика Адольфа Менцеля

Флейтовый концерт Фредерика — это картина, написанная Адольфом Мензелем около 1871 года. Во время визита своей сестры король Фредерик организовал концерт. Таким образом, немецкий художник создал на этой картине глубокое и детальное изображение создания музыки. Это отличительный пример, когда мы обсуждаем произведения искусства и картины на тему «Красота в искусстве» из-за максимальной гармонии всей сцены.

Давид — Микеланджело

Давид — Микеланджело

Давид — скульптура, созданная Микеланджело ди Лодовико Буонарроти Симони между 1501 и 1504 годами. Давид считается одной из самых известных скульптур эпохи Возрождения. Итальянский художник изобразил Давида необычным для того времени способом.

Девушка с жемчужной сережкой — Иоганнес Вермеер

Девушка с жемчужной сережкой — Иоганнес Вермеер

Девушка с жемчужной сережкой — это картина, написанная Иоганнесом Вермеером около 1665 года.Первоначальное название этой картины было «Девушка в тюрбане». Показана девушка в восточном стиле, смотрящая прямо на зрителя.

Дар-эс-Салам, автор Якоб Хендрик Пирниф

Дар-эс-Салам, автор — Якобус Хендрик Пирниф

Дар-эс-Салам — картина, созданная Якобом Хендриком Пирнифом в 1926 году. Южноафриканский художник написал еще одну картину с тем же названием. Дар-эс-Салам. Якобус Хендрик Пирниф — художник-пейзажист, входивший в число лучших художников Южной Африки.

Просеиватели пшеницы — Гюстав Курбе

Просеиватели пшеницы — Гюстав Курбе

Просеиватели пшеницы — еще одна известная картина на тему красоты в искусстве, созданная Гюставом Курбе в 1854 году. Другая картина под названием «Деревенские девушки» показывает то же самое. тема и сцены. На изображении изображены две женщины: одна слева и одна в центре — это сестры Курбе и мальчик, которому он станет сыном.

Hardkoolbome — Bosveld — Якобус Хендрик Пирниф

Hardkoolbome — Bosveld — Jacobus Hendrik Pierneef

Hardkoolbome — Bosveld — это картина, созданная Якобусом Хендриком Пирнифом в 1945 году.Эту картину можно увидеть в Национальной галерее Южной Африки. В 19 веке южноафриканский художник находился под влиянием английских произведений искусства, которые южноафриканский художник ненавидел больше всего.

Самые любимые художественные истории нашими читателями

живопись — Студенты | Britannica Kids

Введение

History Archive / REX / Shutterstock.com

Искусство так же разнообразно, как и жизнь, из которой оно возникает. Каждый художник изображает разные стороны мира.Великий художник может взять какой-то аспект жизни и придать ему глубину и смысл. Для этого он или она будет использовать многие приемы, обычные для рисования. Эти устройства включают композицию (расположение объектов на изображении), цвет, форму и текстуру.

Возможно множество различных сюжетов

Художнику не всегда нужны красивые и привлекательные предметы. Часто обычный предмет преображается с помощью артистизма. На картине « Ноябрьский вечер » американского художника Чарльза Берчфилда изображены простые дома и магазины, типичные для многих перекрестков городов Среднего Запада в 1930-е годы.За зданиями простираются бескрайние прерии на фоне единственной человеческой фигуры. Темное осеннее небо покрывает пейзаж.

Берчфилд придал сцене достоинство своим честным и открытым обращением. Он не пытался сделать картину «красивой», скрывая плохие пропорции зданий или их неуклюжую группировку. Подчеркивая контраст между сбившимися в кучу зданиями и окружающими их большими открытыми пространствами, он дает ощущение теплого человеческого общения. Земля и небо управляют жизнями людей в этом маленьком сообществе.Здания отражают изгибы земли, на которой они покоятся, а окна отражают свет вечернего неба. Тем не менее, несмотря на всю свою неуклюжесть и неуклюжесть, город по-прежнему сохраняет простое достоинство.

Классики — еще одна картина неожиданного сюжета. Художник из США Лорен Макивер изобразил на холсте небольшой фрагмент нашего мира — участок асфальта, на котором играли дети. Из этого простого источника она открыла для себя мир чудес.Асфальт больше не является обычным материалом, которым вымощены улицы, но представляет собой материал завораживающих разнообразных форм и богатой текстуры. Это детская площадка. Регулярные заштрихованные линии классиков представляют интересный контраст со свободными, неправильными формами тротуара. В этой небольшой сцене мы также получаем намек на силы мира, особенно природы. Материал дорожного покрытия пузырился и подвергался эрозии из-за воздействия солнца, дождя и мороза. Макивер показал, что даже банальный предмет имеет красоту.

Беспредметная живопись

Некоторые художники используют геометрические или абстрактные формы, цвета и текстуры для создания интереса и смысла. Большая часть музыки не пытается имитировать звуки природы, и нет причин, по которым в живописи всегда следует использовать природу. Белые линии , художник США И. Райс Перейра, является примером такой «необъективной» живописи. Перейра построил свою картину целиком из линий и прямоугольников разных форм, размеров, цветов и текстур.Прямоугольники появляются друг над другом и рядом друг с другом. Это исследование шаблонов. Как и музыка, он создает красоту из ритма и гармонии.

Почему художники рисуют

Вкратце можно сказать, что художники рисуют, чтобы открывать истину и наводить порядок. Они воплощают в своих картинах наши общие надежды, идеалы и страсти и показывают нам их значение и ценность. Создатели всех искусств делают открытия о чудесах и красотах природы, а также о достоинстве и благородстве человечества.Они отдают им приказ, который позволяет нам видеть и понимать жизнь более глубоко. Красота обычно возникает в результате порядка, но как побочный продукт, а не как основная цель. Не все произведения искусства красивы.

В начале 20 века группа американских художников под названием «Школа Ашкан» начала рисовать неприглядные сцены промышленных объектов, таких как железнодорожные пути и фабрики. Джон Слоан, Роберт Генри, Джордж Беллоуз и Джордж Лакс были видными членами этой группы. В то время эти изображения городской жизни считались уродливыми и оскорбительными.Однако эти первопроходцы открыли в таких предметах много прекрасного. Сегодня принято считать, что индустриальные сцены — это богатый источник удовольствия в искусстве. Это был проницательный и чуткий художник, который открыл для себя новые области удовольствия.

Художник может усилить наш опыт. Обнаруживая новые отношения между объектами, новыми формами и новыми цветами, они показывают нам то, что мы упускаем из виду или игнорируем. Они делают мир вокруг нас живым, богатым, красивым и захватывающим.

Сюжет, который выбирает художник для картины, во многом зависит от времени, в котором он живет. Художник, живший в средние века, вероятно, выбрал бы религиозную тему, поскольку это была почти единственная тема, изображавшаяся в то время. Если бы он жил в Голландии в 17 веке, он мог бы рисовать портреты, семейные сцены или композиции из блюд, фруктов и цветов, называемые натюрмортами.

В настоящее время мало художников рисуют религиозные картины, а портретная живопись менее распространена, чем была раньше.Стало доступно много новых предметов. Самолет вдохновил художников на работу над проблемами космоса. Растущее использование машин побудило художников изучать механические формы. Абстрактные и необъективные субъекты стремятся найти некую основу для порядка в быстро меняющемся мире.

В частности, современные художники занимаются рисованием внутреннего мира мыслей, чувств и снов. Этот внутренний мир основан на очень разных формах и отношениях внешнего мира реальности. Такие изображения иногда могут показаться странными и трудными для понимания.Примеры Намерения Пауля Клее и Сальвадора Дали «Постоянство памяти» .

Выбрав предмет, перед художником встает задача придать ему форму. Будет ли идея лучше всего передана с использованием реалистичных или абстрактных форм? В светлых или блеклых тонах? Должен эффект быть возбуждающим или успокаивающим? Ответ зависит от того, что пытается сделать художник. В хорошей картине все вырастает из замысла художника и развивается из него.

Четыре картины 20-го века

Четыре картины 20-го века предлагают интересные контрасты по замыслу и обработке. Гора Катахдин, осень демонстрирует личные чувства к красотам природы. Марсден Хартли упростил и усилил цвета и формы, которые впечатляли его в пейзаже штата Мэн. Посередине — невысокая гора, покрытая деревьями яркого осеннего цвета. Напротив него вырисовываются силуэты нескольких сосен, их стабильная зелень прекрасно контрастирует с волнующим оранжево-красным.Сама гора Катахдин доминирует над картиной, сильная и солидная как своей простой формой, так и темно-сине-фиолетовым цветом. За горой облака приобрели сильные, простые формы, похожие на саму гору. Вода на переднем плане отражает все элементы сцены, объединяя их в живой узор. Хартли передал красоту, усилив предметы первой необходимости.

В Летний пейзаж Стюарт Дэвис выбрал гораздо менее драматичную сцену. Он избегает теней, чтобы все формы могли четко выделяться.Формы зданий солидные и прочные. Края листвы живые и игривые. Многие вещи, такие как заборы и облака, обозначаются только сокращенно. Большинство важных элементов изображения либо очень темные, либо очень светлые. Контраст между объектами резко проясняет их отношение друг к другу и в то же время создает энергичный рисунок света и тьмы. Летний пейзаж передает ощущение простора и радости.

Интерьер со столом работы Жоржа Брака демонстрирует еще один вид обработки, разработанный современными художниками.Зритель узнает стол, на котором размещены различные предметы, но они не узнаваемы ни в каком фотографическом смысле. Брак подчеркнул различные аспекты объектов на картине, которые, по его мнению, были важными. Например, он показал нам верхнюю часть горшка в основном эллиптической формы, но нижнюю часть плоскую. Оба эти факта верны, но они оба не рассматриваются таким образом с определенной точки зрения. Таким образом, Брак не привязывал себя к тому, что можно было бы увидеть в конкретное время, но он многое рассказал нам об объектах и ​​их отношениях.

Intention , автор Paul Klee, не опирается на узнаваемый предмет. Это картина мыслительного процесса. Клее дал нам представление о том, из чего может состоять замысел. Чуть левее центра — упрощенный контур тела, а в верхней части головы — единственный глаз. Его окружает большое количество форм, обозначающих мысли, которые могут составить намерение. Многие легко опознаются — дерево, животное, несколько фигур. Другие расплывчаты, и простые формы можно интерпретировать по-разному.Некоторые из них показаны сами по себе, но некоторые присоединены к другим формам.

Фон — чисто кирпично-красный с одной стороны; с другой стороны — тускло-зеленый. Возможно, художник говорит, что какие-то мысли остры и ясно запоминаются; другие неясны и расплывчаты. Каким бы ни был рисунок, он может быть очарован богатством, разнообразием узоров и богатством интересных форм.

Живопись в древности и средневековье

A. Held / J.P. Зиоло, Париж

Кроманьонцы в доисторические времена были высокоразвитыми художниками.На стенах и потолках нескольких пещер в Испании и на юге Франции были найдены замечательные изображения животных, от которых зависело питание пещерных обитателей. Они нарисованы чутко и аккуратно. Специалисты пришли к выводу, что пещерный художник мог полагать, что столь реалистичное изображение животных даст им магический контроль и сулит успех в охоте. ( См. Также рисунок ; происхождение человека.)

Египет создал великую цивилизацию около пяти тысяч лет назад.Его гробницы и храмы были украшены выдающимися картинами. На картине из гробницы Усер-Хета в Фивах изображены подношения цветов богу-ястребу Менту. В отличие от реалистичных рисунков пещерных людей тысячи лет назад, он сильно стилизован. И все же фигуры нарисованы очень тонко и изысканно. Повторение фигур и растений дает ощущение ритма. Множество вариаций рисунков придают изящество и богатство.

Предоставлено попечителями Британского музея

Очень мало живописи сохранилось от классической эпохи Греции и Рима.Среди останков сохранились украшенные вазы греков и настенные росписи из Помпеи и Геркуланума. ( См. Также Греция, древняя; греческое и римское искусство.)

Метрополитен-музей, Нью-Йорк, дар Эдварда С. Харкнесса, 1918, (18.9.2), www.metmuseum.org

Некоторые из лучших образцов классической живописи происходят из Египта. Прекрасные портреты происходят из гробниц в Аль-Файюме. В то время, когда они были созданы (2 век нашей эры), Египтом правил Рим. Портреты мумий — это реалистичные картины, выполненные с простотой и силой.

Христианство медленно распространилось по западному миру, став официальной религией Римской империи в 4 веке. Однако к тому времени империя распадалась, и столица была перенесена в Византию (ныне Стамбул). Здесь на протяжении сотен лет развивался строгий и формальный стиль искусства, называемый византийским. Примеры этого можно увидеть в Стамбуле и некоторых итальянских городах, особенно в Равенне, которая какое-то время была столицей Византийской империи в Италии.

Photos.com/Jupiterimages Предоставлено магистром и научными сотрудниками Колледжа Корпус-Кристи, Кембридж

В средние века, которое простиралось примерно с 500 до примерно 1500 г., христианская церковь была единственным стабильным учреждением в Западной Европе. Только монастыри поддерживали культуру и образование. Многие монахи были прекрасными художниками и мастерами. Рукописи, которые они копировали и украшали, называемые иллюминированными рукописями, являются самыми красивыми образцами искусства того времени ( см. книги и букмекерство).

Начиная с 12 века жизнь стала более безопасной. Города росли, торговля и промышленность процветали. Эти города стали центрами не только богатства, но и искусства и образования. В Северной Европе развился готический стиль искусства. Он наиболее известен своими великолепными соборами. Витражи — это слава соборов. По сути, это картины в стекле.

Поздняя итальянская готическая живопись

Рост городской жизни принес с собой дух исследования и изобретательности.Люди ставили под сомнение идеи, которых придерживались веками. Картина « Мадонна ангелов » Джованни Чимабуэ — особенно интересное произведение того времени. Он показывает некоторые характеристики византийского стиля, который был принят на протяжении многих веков, и начало поиска новых решений проблем живописи.

Картина изображает Марию и младенца Иисуса на троне в окружении ангелов. Композиция неестественна и симметрична, фигуры стилизованы и безличны.У нас могут быть некоторые трудности с принятием картины людей, которые выглядят такими неживыми. Помните, однако, что ранние художники знали, что они рисовали не людей из плоти и крови, таких как те, которые мы видим вокруг нас каждый день, а божественные создания небес. Чтобы подчеркнуть эту разницу, божества представлялись величественными и отчужденными. Однако если это сравнить с более ранними картинами в византийском стиле, мы увидим, что Чимабуэ уже заметно отошел от традиций того времени.Несмотря на свою холодность, фигуры начинают приобретать человеческие черты.

Итальянский Джотто был художником, совершившим большой разрыв с византийскими традициями. Он был чрезвычайно популярен при жизни и считался одним из величайших художников, которые когда-либо жили. Даже сегодня Джотто высоко ценится.

«Снятие с креста » — одно из лучших произведений Джотто. Эта сцена входит в цикл фресок 1305 и 1306 годов, посвященных жизни Иисуса Христа и Девы Марии, которые украшают интерьер часовни Арена в городе Падуя.Фрески изображают горе матери и последователей Иисуса после того, как Иисус был спущен с креста. Джотто привнес в живопись человеческие чувства и эмоции. Это настоящие люди, одолеваемые горем. Он передал накал их эмоций не только мимикой, но и позами и жестами. Это повествовательная картина, наполненная драматической жизнью, понятной каждому.

После Джотто итальянская живопись почти столетие мало развивалась.Мы должны отправиться на север Европы, чтобы сделать следующий важный шаг.

Поздняя готическая живопись во Фландрии

© Everett-Art / Shutterstock.com

Во Фландрии в первой половине 15 века работали два брата, Ян и Хуберт ван Эйки. Они первыми использовали атмосферу в своих картинах. Картина «Брак Джованни Арнольфини и Джованны Ченами» принадлежит Яну, наиболее известному из братьев. Эта маленькая картинка — одна из первых, которая дает нам ощущение, что фигуры стоят в пространстве, окруженном светом и воздухом.Свет, идущий слева, становится ярче и мягко падает на всю сцену. Есть высокие тона и тени. Формы меняются от светлого к темному, когда они отворачиваются от свечения.

Мы знаем о различных материалах — мехе, металле, ткани, стекле — и о способах поглощения или отражения света каждым из них, чтобы показать свои особенности. Примечательны детали картины — тапочки на полу, апельсины на подоконнике и сундуке, люстра, а также отражение пары и открытое окно в выпуклом зеркале в задней части комнаты.

Ван Эйк добавил эти детали, потому что они имели значение для картины. Портрет молодоженов фактически является записью свадьбы художника, присутствовавшего на церемонии. Он сообщил нам об этом в надписи с его подписью на задней стене. Святая Маргарита, чья резная фигура появляется на спинке кровати, является покровительницей новобрачных. Собачка на переднем плане — символ супружеской верности. Рука Джованни Арнольфини поднята в знак клятвы верности.

Хотя масляные краски вошли в обиход на два или три столетия раньше, ван Эйкс и другие фламандские мастера своего времени были первыми, кто полностью использовал этот материал. Предыдущие художники работали полностью темперой или использовали одновременно масло и темпера.

Их работы с плоскими, резко очерченными цветовыми областями были скорее декоративными, чем реалистичными. Масляные краски, которые плавно переходят и создают тонкие градации цвета и тона, предоставили художнику гораздо большую свободу в создании трехмерных эффектов.Популярность масляных красок распространилась по Европе в 15 веке.

Ван дер Вейден и Мемлинг

Предоставлено Национальной галереей искусств, Вашингтон, округ Колумбия, Коллекция Эндрю Меллона, 1937. 1. 44

Одним из последователей ван Эйкса был Рогир ван дер Вейден. Его Портрет дамы подчеркивает полное округлое лицо и голову. Напротив, ее головной убор почти полностью состоит из прямых линий. Он образует перевернутую букву V. Буква V повторяется на ее шее, где основные линии головного убора почти точно повторяются.Пальцы рук внизу рисунка также имеют V-образную форму. Сопоставляя угловатые формы с округлыми, Ван дер Вейден подчеркнул округлость лица. Повторяя угловую форму в другом размере и положении, он добавил разнообразия, но добился единства между частями картины.

Предоставлено Национальной галереей искусств, Вашингтон, округ Колумбия, Коллекция Эндрю У. Меллона, 1937. 1. 41

Одним из учеников Рогира ван дер Вейдена был Ганс Мемлинг, который написал Мадонна с младенцем и ангелами .В центре картины — Мадонна, держащая в одной руке Младенца Иисуса, а другой — раскрытую книгу. Роскошная парча позади нее и восточный ковер, на котором покоится ее трон, контрастируют с простотой ее собственного платья.

Дитя одновременно и с неба, и с земли. Его правая рука поднята в знак благословения и также свидетельствует о детском интересе к апельсину, который держит к Нему один ангел. Оба ангела слегка преклоняют колени перед Матерью и Младенцем в знак почтения, и один из них играет музыку в их честь.Четыре фигуры связаны мощной аркой прямо за ними, богатой готическим орнаментом. Через арку по обе стороны от Богородицы открываются виды на сельскую местность.

Фантазии Bosch

© Photos.com/Thinkstock

Большой контраст с картиной Мемлинга — картина Иеронима (или Иеронима) Босха. Это был голландский художник, живший несколько позже Мемлинга. На его творчество повлияла фламандская школа живописи.

Но в то время как фламандские художники создали мир безмятежности и реальности, мир Босха — это мир ужаса и воображения.Его St. Anthony и забавляет, и пугает нас. Главная фигура картины на переднем плане погружена в созерцание, а на заднем плане творятся странные вещи. Мы видим сарай, через крышу которого вырывается гигантская голова женщины. Здание взрывается, люди подбрасываются в воздух. Человек каяки на рыбу по небу.

Многие восхищаются фантазией этого художника. Некоторые также считали, что этот человек, должно быть, был очень болезненным, чтобы так беспокоиться о боли.Хотя многие из его картин с их странными животными и монстрами выглядят так, как будто они относятся к средневековью, они мало чем отличаются от некоторых картин, созданных современными художниками, которых называют сюрреалистами. Они тоже рисуют мир фантазий. Босх жил в то время, когда средневековый период уступал место новому веку. Его картины, несомненно, отражают его заботу об изменяющемся мире. С этой точки зрения Босх и его фантазии на удивление актуальны.

Эпоха Возрождения в Италии

Развитие фламандской школы живописи в 15 веке стало блестящим завершением готического периода.В то же время в Италии возникло новое захватывающее движение. Это называлось Возрождение, что означает «возрождение».

Это был период исследований, изобретений и открытий. Моряки плыли по морям, чтобы найти новые земли. Ученые изучали свой мир и небеса. Анатомы и художники считали человеческое тело чудом механики и красоты. Была заново открыта культура античности. Это был один из самых ярких периодов в истории человечества и искусства.

SCALA / Art Resource, Нью-Йорк

Родиной искусства эпохи Возрождения была Флоренция.Там молодой художник по имени Мазаччо внес в живопись много смелых новых идей. Деньги дани — это фреска, выполненная им в часовне во Флоренции. Фигуры Иисуса, учеников и сборщика налогов расположены в области, соответствующей поверхности стены, на которой нарисована картина.

Подобно Джотто, Мазаччо придавал своим картинам монументальность, но он больше, чем Джотто, был заинтересован в том, чтобы сделать своих людей людьми. Все его фигуры выглядят по-разному.Мазаччо многое узнал о рисовании человеческих фигур. Обратите внимание на солидность фигуры сборщика налогов (снова к зрителю). Хотя тела других фигур в композиции не так ясны, мы знаем о мышцах, костях и движении. Фон демонстрирует его чувство пространства при обработке пейзажей. Ближний холм имеет темный оттенок и коричневатый цвет. Те, что позади, имеют более светлый оттенок и имеют голубоватый оттенок, из-за чего кажется, что они возвращаются на картинку. Работа Мазаччо представляет собой большой шаг вперед в проблеме изображения визуального мира в живописи.

Другой флорентиец, Паоло Уччелло, работавший одновременно с Мазаччо, тоже был математиком. Его больше интересовали механические и научные проблемы живописи, чем человеческие и психологические проблемы.

Его картина « Битва при Сан-Романо », написанная примерно в 1457 году в честь победы Флоренции над Сиеной 25 лет назад, представляет собой перспективное исследование. Уччелло нарисовал фигуры людей и лошадей в самых разных положениях, чтобы проверить свои знания перспективы и анатомии.На переднем плане — сломанные копья и копья, расположенные так, чтобы земля, на которой идет битва, казалась плоской и реальной.

На левом переднем плане упавшая лошадь лежит головой к передней части картины, а его ноги отстранены от наблюдателя. Художники, описывая такие позы, называют их укороченными. Хотя мы знаем, что длина туловища лошади примерно равна ее высоте, на таких изображениях длина тела значительно уменьшается. Убедительно нарисовать резко укороченную фигуру сложно.То, что Уччелло поставил перед собой эту задачу, показывает интерес к открытию законов рисования в то время.

Фон также представляет собой исследование в перспективе: дороги, поля и холмы уходят вдаль. Атмосфера не использовалась. Для отображения расстояния используются только линии. Битва Уччелло не кажется очень свирепой, а его фигуры и животные — очень реальными. И все же его работа была революционной в открытиях, сделанных в визуальном мире.

Fine Art Images / возрастной фотосток

Работы таких художников, как Мазаччо и Уччелло, характеризовали период раннего Возрождения.Сандро Боттичелли был активен в последней половине 15 века. Примером его работы является его Рождение Венеры . Примерно в начале 16 века мы вступаем в период, известный как Высокое Возрождение. Это было не только захватывающее время, но и беспокойное. Научные открытия изменили представления человека о себе. Реформация, начавшаяся в Германии, расколола христианский мир. Рост богатства и открытие новых земель породили борьбу за власть, результатом которой стало множество войн.Вызовы, поставленные эпохой, подстегнули группу блестящих художников.

Рафаэль, Леонардо и Микеланджело

Метрополитен-музей, Нью-Йорк, Дар Дж. Пирпонта Моргана, 1916, (16.30ab), www.metmuseum.org

Рафаэль был человеком солнечного и радушного нрава, создававшего в своих картинах мир благородства и гармонии. Он особенно известен своими картинами Мадонны с младенцем. Концепция Матери Иисуса в западном искусстве во многом основана на образе, созданном Рафаэлем. Мадонна с младенцем на троне со святыми — одно из его ранних произведений, но в нем есть много характерных черт, которыми он известен.

Состав обладает высокой устойчивостью. Фигуры Мадонны с младенцем и младенца Иоанна образуют треугольник, общие линии которого продолжаются вниз по ступеням под троном. Два святых по обе стороны также повторяют треугольник. Композиции, основанные на треугольной форме, были разработаны в эпоху Возрождения и особенно впечатляют своей стабильностью.

Леонардо да Винчи был не только одним из величайших художников XVI века, но и разносторонним инженером, архитектором и ученым. Леонардо изучал ботанику, геологию, зоологию, гидравлику, военную инженерию, анатомию, перспективу, оптику и физиологию.

© Everett-Art / Shutterstock.comContunico © ZDF Enterprises GmbH, Майнц

Мона Лиза , написанная во Флоренции в 1505–06 годах и сейчас находящаяся в Лувре, является, пожалуй, самой известной его работой. С тех пор, как он был написан, он покорял людей своими захватывающими и неотразимыми качествами.

Леонардо произвел революцию в портретной живописи с Мона Лиза , удачно объединив символические и физические черты натурщика и использовав таинственный фон. Фигура в целом имеет треугольную форму с головой на вершине. Это перед пейзажем, уходящим вдаль. Леонардо в совершенстве владеет рисунком и штриховкой. Всегда пробуя новое, он использовал в картине необычный пигмент. В результате с годами он изменил цвет.

Еще одним разносторонним художником итальянского Возрождения был Микеланджело Буонарроти. Хотя он считал себя главным образом скульптором, он создал одинаково великие произведения как художник и как архитектор. Их мощь и величие никогда не были превзойдены. Этот уроженец Флоренции оказал беспрецедентное влияние на развитие западного искусства.

Scala / Art Resource, New YorkAlinari / Art Resource, New York

Его шедевр — огромная фреска, покрывающая потолок Сикстинской капеллы в Ватикане площадью около 930 квадратных метров.С 1508 по 1512 год Микеланджело нарисовал более 300 фигур, представляющих создание и падение человечества и предков Иисуса. Примером служит одна из фигур пророка Иеремии. Он сидит в расслабленной и задумчивой позе на разрисованном архитектурном фоне, который служит своеобразной рамкой. Огромная фигура нарисована с огромной силой. Фигуры Микеланджело кажутся почти выскакивающими из стен, на которых они нарисованы. Как ни один другой художник никогда не делал, Микеланджело показал величие и трагедию человечества.

Тициан и Веронезе

© Photos.com/Jupiterimages

На севере Италии город-государство Венеция стал богатым и могущественным. Под влиянием Азии, с которой она торговала, Венеция была городом красок, роскоши и зрелищности. Было логично, что живопись там должна отражать эти черты. Самым известным из его талантливых и ярких художников был Тициан. Он был известен в основном своими портретами, в том числе Портрет дамы .

Еще одним великим венецианцем был Паоло Веронезе.В Моисей спасен из Нила он дает необычную трактовку известной ветхозаветной истории. Люди на картинке, которые нашли младенца Моисея, — это не древние египтяне, которых мы ожидаем, а мужчины и женщины Венеции 17-го века. Сюжет взят из Библии, поэтому найти дочь фараона в богатой одежде женщины эпохи Возрождения — это своего рода шок. Такое отношение к религиозным темам не было чем-то необычным в эпоху Возрождения. Веронезе интересовало расположение фигур в хорошо составленные группы, обработка воздуха и пространства, живопись богатых материалов.Субъекты были средством для достижения этой цели.

Возрождение в Германии

SCALA / Art Resource, Нью-Йорк

На севере, в Германии, художник и гравер Альбрехт Дюрер находился под влиянием техники масляной живописи, разработанной средневековой фламандской школой, и идей итальянского Возрождения, которые он изучал во время визита в Италию.

© Giraudon / Art Resource, Нью-Йорк

Ганс Гольбейн Младший, родившийся в 1497 году, известен объективной реалистичностью своих портретов.Он рисовал религиозные сюжеты в своей родной Германии и под влиянием протестантизма отправился в Англию, где стал придворным художником Генриха VIII в 1537 году. После смерти третьей жены короля, Джейн Сеймур, его советники предложили немецкой принцессе Анне Клевской. его новая жена. Гольбейн отправили за границу, чтобы написать ее картину. Великолепный, хотя и нелестный портрет. Она не была красивым человеком, и Гольбейн не пытался сделать ее такой. Ее платье богато раскрашено, а красный и золотой придают картине неповторимую теплоту.Картина еще больше зависит от ее дизайна для ее эффективности.

Округлость лица подчеркивается повторением его формы в таких вещах, как бусинки и положение рук. Напротив, более прямые линии украшенных драгоценными камнями полос переводят взгляд на лицо.

Два испанских художника

С завоеванием Нового Света Испания стала одной из самых могущественных стран Европы. Греческий художник Доменикос Теотокопулос, известный как Эль Греко, отправился в Испанию примерно в 1576 году.Он оставался там до конца своей жизни. Он учился в Венеции, и его стиль напоминает венецианских мастеров. Эль Греко, однако, был индивидуалистом, и его картины несут его безошибочный отпечаток. Фактически, его стиль озадачил его современников, но принес ему новое признание в 20-м и 21-м веках.

Чикагский институт искусств, подарок Нэнси Этвуд Спраг в память об Альберте Арнольде Спраге, номер ссылки. 1906,99 (CC0)

«Успение Богородицы». был написан вскоре после его прибытия в Испанию и демонстрирует многие черты его стиля.Его фигуры сделаны тонкими, чтобы придать им духовный, аскетический вид. Его обработка драпировок с сильным акцентом на свет и темнота, а также его нервные, похожие на пламя формы придают его картинам эмоциональную окраску.

© Americanspirit / Dreamstime.com

При жизни Эль Греко родился Диего Веласкес. Он стал художником при дворе Испании. Большую часть своего времени он посвятил рисованию стилизованных придворных узоров. Его лучшая работа — это то, что он делал сам, например, Las Meninas (или The Maids of Honor ).На нем показано, как Веласкес работает над большой картиной в комнате с другими людьми. В центре комнаты юная принцесса Маргарита со своими подругами и фрейлинами. В зеркале сзади можно увидеть лица только что вошедшего короля и королевы. Эта картина показывает его прекрасное обращение со светом, отражающимся с разной интенсивностью от разных фигур, подчеркивая формы и текстуры.

Брейгель и Рубенс

Метрополитен-музей, Нью-Йорк, Фонд Роджерса, 1919, (19.164), www.metmuseum.org

Два фламандских художника, работавшие в XVI и XVII веках, демонстрируют нам новые интересы и разработки в живописи. Питер Брейгель, как и многие северные живописцы своего времени, в юности отправился в Италию, чтобы изучать работы итальянских мастеров. Хотя многие художники использовали пейзажи в качестве фона, Брейгель одним из первых сделал их главной особенностью своих картин. В The Harvesters фигуры рабочих, которые едят и отдыхают от тяжелого труда, расписаны с высокой детализацией.

Музей Метрополитен, Нью-Йорк, Фонд Джона Стюарта Кеннеди, 1910, (10.73), www.metmuseum.org

«Охота на волков и лис» была написана Питером Полом Рубенсом примерно на 50 лет позже, чем «Жнецы ». В отличие от Брейгеля, который показал повседневную деятельность обычных людей, Рубенс изобразил момент большого волнения в спорте благородных и богатых людей. Охотники и собаки приблизились к волкам и лисам, и охота достигла своего апогея. Рубенс показал это на вздыбленных лошадях, выпадающих фигурах людей с охотничьими копьями, рычащих и кусающихся собаках, волках и лисицах.Ощущение напряжения и азарта еще больше выражает композиция. Все фигурки и животные расположены в двух наборах противоположных диагоналей. Диагонали выражают движение и энергию. Рубенс, как и все великие художники, использовал те формы и цвета, которые несли идеи, которые он пытался выразить. Он был величайшим художником своего времени.

Голландская школа

В 17 веке Голландия и Фландрия, тогда известные как Испанские Нидерланды, освободились от контроля Испании, и голландцы создали независимое государство.Они были протестантами, а фламандцы оставались католиками. Фламандское искусство продолжало служить церкви в картинах на религиозные сюжеты, украшавших алтари и часовни. Протестанты не верили в украшение своих церквей произведениями искусства. Однако они очень гордились страной, которую они завоевали ценой крови и страданий. В период своего процветания богатые бюргеры позволяли себе роскошь создавать портреты самих себя и своих жен, а также фотографии, которые они вешали в своих домах.

На этих картинах изображена красивая голландская сельская местность, очаровательные деревенские улочки и дома, интерьеры домов и таверн, а также простые люди, занятые повседневными обязанностями и удовольствиями.Картины были небольшого размера. За исключением нескольких, которым было поручено повесить в ратушах гильдий и ратушах, они предназначались для украшения частного дома.

Предоставлено Национальной художественной галереей, Вашингтон, округ Колумбия, Коллекция Уайденера, 1942. 9.31.

Процветающая школа пейзажной живописи произвела на свет таких мастеров, как Мейндерт Хоббема, Ян ван Гойен и Якоб ван Рейсдал. Другие художники, например Ян Стен и Питер де Хох, рисовали сцены из повседневной жизни. Но величайшими представителями голландской школы были Рембрандт, Вермеер и Хальс.

Картина Франса Хальса «Цыганка » демонстрирует энергию и жизнелюбие. Его живопись не «закончена», как у художников до него. Краска выглядит так, как будто ее нанесли очень быстро. Эта техника несет в себе чувство стремления и удовольствия, а не изысканности и достоинства. Сравните The Gypsy Girl с Holbein Anne of Cleves . Несмотря на всю правдивость природы и красоту деталей, портрет Гольбейна точен, формален и поставлен. Портреты Хальса, написанные несколькими мазками кисти, кажется, уловили мимолетное выражение — веселье, презрение, озорство — и навсегда закрепили его на холсте.

Рембрандт ван Рейн был еще одним великим художником голландской школы. Как и Хальс, он сосредоточился на портретах и ​​сценах из голландской жизни 17-го века. Привлекательный объект Девушка у распахнутой полудверки скромен, вдумчив и серьезен. Однако в первую очередь нас привлекает обращение со светом. Голова и левая рука девушки залиты мягким, сияющим и почти волшебным светом. Позади нее тусклое сияние очерчивает правую часть ее фигуры. Эта обработка света и тьмы называется светотенью.Мелкие изменения цветового тона создают глубокое пространство, в котором помещается фигура. Нет более великого мастера света, чем когда-либо жил Рембрандт. Кажется, он освещает не только лица и фигуры своих подданных, но и их сокровенные мысли.

Иоганнес Вермеер родился на 26 лет позже Рембрандта. Он написал сравнительно немного картин, работая медленно и с особой тщательностью. Его испытуемые, как правило, представляют собой единственную фигуру в голландской комнате, занятую какой-то простой задачей — приготовлением еды, наливанием молока или воды из кувшина, чтением письма или просто дремотой.Часто слева есть окно или открытая дверь, через которую свет освещает объект. Для Вермеера тоже был мастер света.

Музей Метрополитен, Нью-Йорк, Коллекция Маркуанда, дар Генри Г. Маркванда, 1889, (89.15.21), www.metmuseum.org

На картинке «Молодая женщина с кувшином для воды» мы видим интерьер, залитый мягким светом, который почти с любовью падает на все предметы на картинке. Композиция неформальна, но тщательно спланирована на серии прямоугольников — карта на стене, угол стены, створчатое окно и край стола.Они уравновешиваются изгибами фигуры и чаши. Vermeer использует элементы простой домашней сцены для создания единого пространства света и тени.

Текстуры переданы с максимальной реалистичностью. Можно почти почувствовать тяжелый шерстяной ковер над столом, хрустящее полотно женского головного убора, кожу спинки стула, металл кувшина.

Прежде всего, его изумительная передача значений цвета придает изображению наиболее реалистичное впечатление глубины и пространства.В то же время он объединяет все нежным голубым оттенком и заставляет светиться теплом и светом.

Музей Метрополитен, Нью-Йорк, завещание Бенджамина Альтмана, 1913, (14.40.623), www.metmuseum.org

Голландские художники 17 века написали множество пейзажей, в том числе Wheatfields Якоба ван Рейсдала. По сравнению с Брейгелем Ван Рейсдаля не столько интересует отношение людей к природе, сколько сама природа — небо, земля и деревья, составляющие пейзаж.Человеческие существа малы по сравнению с великими силами природы.

Предоставлено Национальной галереей искусств, Вашингтон, округ Колумбия, Дар Фонда У. Аверелла Гарримана в память о Мари Н. Гарриман, 1972 г. 9.6

Жан-Батист-Симеон Шарден, французский художник, жил почти на столетие позже Ван Рейсдаля, по духу схож с этими голландскими художниками. Большинство других важных художников того времени были наняты аристократией и рисовали картины из придворной жизни. Шарден рисовал деятельность и интересы простых людей.Он вложил в эти занятия воображение, которое поднимает их намного выше обычного. Шарден заинтересовался натюрмортами. Он разработал технику совмещения цветов друг с другом, а не их смешения, которая предвосхитила импрессионистов столетие спустя.

Английские художники

Живопись в Англии появилась позже, чем в других европейских странах, отчасти потому, что Генрих VIII и Томас Кромвель уничтожили произведения искусства в английских церквях и соборах.После восстановления правителей Стюартов в 17 и начале 18 веков богатые люди предпочитали нанимать иностранных художников.

Уильям Хогарт был одним из первых англичан, создавших живопись национального характера. Дети Грэма — портрет детей богатых родителей. Тем не менее, он избегает жестких формальных композиций и показывает молодым людям обаяние и остроумие. Но больше всего Хогарт известен своими моральными и сатирическими картинами.

Предоставлено Национальной галереей искусств, Вашингтон, округ Колумбия.К., Коллекция Эндрю У. Меллона, 1937.1.95

Поколением позже сэр Джошуа Рейнольдс стал самым важным членом английской портретной школы. Его Леди Элизабет Дельме и ее дети , в отличие от картины Хогарта, элегантен и аристократичен.

Наибольший вклад в искусство пейзажной живописи внесли англичане. Такие работы, как « Вид на собор Солсбери » Джона Констебля и J.M.W. Картина Тернера The Grand Canal, Venice демонстрирует сияние света на зданиях и воде и большую свободу в использовании цвета.Это использование света и цвета было продолжено художниками конца 19 века.

Начало живописи в Америке

Ранние поселенцы в Америке были слишком заняты осваиванием новой страны, чтобы сильно интересоваться живописью. Более того, пуританская строгость не одобряла ненужную роскошь. Однако в начале истории страны начали появляться портреты. Многие из них были выполнены художниками-самоучками, которые называли себя «лимнерами» и ходили из города в город, рисуя портреты.Интерес к портретам, несомненно, развился в Америке, потому что это все еще была колония Англии, где портретная живопись процветала и куда большинство американских художников отправлялись учиться или жить.

Изображения ACME / SuperStock

Портрет Пола Ревира был написан за несколько лет до революции величайшим из американских художников-колонистов Джоном Синглтоном Копли. Это не попытка элегантности или шоу. Мы видим в картине честное, прямолинейное качество.

Предоставлено Национальной галереей искусств, Вашингтон, округ Колумбия.К., Дар Джин МакГинли Дрейпер, 1954.9.2

Гилберт Стюарт особенно известен своими яркими портретами Джорджа Вашингтона. Он рисовал легче, чем Копли, и его характеристики кажутся более изящными, но им не хватает сильного чувства структуры Копли.

Архитектор Капитолия

Было вполне естественно, что молодые Соединенные Штаты Америки гордились своим началом. Джон Трамбал создал серию исторических картин, одной из которых является «Битва при Бункерс-Хилл» .Он выбрал момент смерти генерала Джозефа Уоррена. Картина драматично скомпонована и освещена в соответствии с характером объекта. Его лучшая картина, вероятно, Декларация независимости .

Предоставлено Национальной галереей искусств, Вашингтон, округ Колумбия, Коллекция Эндрю У. Меллона, 1940.1.10

Бенджамин Уэст большую часть жизни прожил в Англии, где достиг заметных успехов. Его портрет одного из первых управляющих по делам Индии, полковника Гая Джонсона , хотя и несколько застенчив, представляет собой подлинную картину пограничных времен.

Фотография Кэти Чао. Бруклинский музей, Нью-Йорк, Фонд Дика С. Рамзи, 40.340

Картины этих американцев были выполнены в европейской традиции. Художники испытали влияние европейских стилей или учились за границей, или и то, и другое. Напротив, картина «Мирное королевство » Эдварда Хикса, набожного квакера-самоучки, относится к той живописи, которую называют примитивной, потому что в ней отсутствуют многие приспособления для управления формой и пространством, которые можно найти в произведениях искусства. профессионально подготовленный художник.Хикс сказал, что эта картина интерпретирует библейские строки, найденные в Иса. XI, 6 — лев и ягненок лягут вместе, «и маленький ребенок будет вести их». Показаны и другие животные, упомянутые в стихе, а вдалеке можно увидеть Уильяма Пенна, заключающего мирный договор с индейцами.

Гойя и Домье

Предоставлено Национальной художественной галереей, Вашингтон, округ Колумбия, коллекция Эндрю Меллона, 1937. 1,88

Современником этих американских художников был испанец, величайший художник этой страны со времен Веласкеса.Подобно Веласкесу, Франсиско де Гойя был испанским придворным художником, лучшие работы которого выполнялись помимо его официальных обязанностей. Он известен своими сценами насилия, особенно тех, которые были вызваны французским вторжением в Испанию. Он также писал портреты, такие как Сеньора Сабаса Гарсия .

Музей Метрополитен, Нью-Йорк, H.O. Коллекция Хавмейера, завещанная миссис Х.О. Хавемейер, 1929, (29.100.129), www.metmuseum.org

Оноре Домье, французский художник, глубоко интересовался людьми, особенно малообеспеченными.В вагоне третьего класса он с большим сочувствием показывает группу людей в поезде. Нас особенно беспокоит одна семейная группа: молодая мать, нежно держащая своего маленького ребенка, уставшая бабушка, погруженная в собственные мысли, и крепко спящий мальчик. Картина выполнена с помощью простой силы и экономии линии. Руки, например, уменьшены до простых очертаний, но красиво нарисованы. Тела тверды, как глина, и их объем обозначен подчеркиванием важного и избеганием несущественного.Это портреты не отдельных людей, а всего человечества.

Французские импрессионисты

Предоставлено Национальной художественной галереей, Вашингтон, округ Колумбия, Коллекция Уайденера, 1942. 9.40

С тех пор, как художники впервые использовали свет в своих картинах, они демонстрировали форму через различия в значениях (количество света и темноты в цвете) и через моделирование (использование света и тени, посредством чего достигается трехмерный эффект). Французский художник Эдуард Мане представил революционный метод.В The Dead Toreador свет падает на фигуру в лоб. Нет теней. Форма получается не с разницей в стоимости, а с разными цветовыми пятнами.

Фотография сделана AlkaliSoaps. Музей Метрополитен, Нью-Йорк, коллекция Х. О. Хавемейера, завещанная г-жой Х. О. Хавемейер, 1929 г. (29.100.107)

Эта идея была продолжена такими художниками, как Клод Моне, который нарисовал Подсолнухи . Моне разработал так называемую живопись «ломаного цвета»; то есть он рисовал предметы с помощью мазков кисти разных цветов, помещенных рядом друг с другом.Вместо того, чтобы смешивать цвета вместе на палитре, как это делали художники на протяжении столетий, Моне и его последователи наносили цветные штрихи по отдельности и позволяли глазу наблюдателя смешивать их. Такие картины обладают прекрасной жизненной силой и светочувствительностью. Техника, которая пытается передать временные эффекты прямого и отраженного солнечного света, известна как импрессионизм. Это слово происходит от картины, выставленной Моне в 1874 году под названием « Впечатление: восход ». Констебль и Тернер предложили использовать краску для передачи света.Но только после того, как импрессионисты так точно воспроизвели мимолетные атмосферные эффекты.

Чикагский институт искусств, Мемориальная коллекция Хелен Берч Бартлетт, номер ссылки. 1926.224 (CC0)

Жорж Сёра, которого считают постимпрессионистом, использовал идею разбитого цвета, чтобы развить очень характерный стиль, называемый пуантилизмом. Он писал исключительно точками чистого цвета. Самые тонкие диапазоны по форме и цвету можно было показать, изменив сочетание цветов точек.Это был очень контролируемый способ рисования, и композиции его картин полностью соответствовали той тщательности, которую требовал этот метод. Картина «Воскресный полдень на острове Гранд-Жатт » — это изображение праздничной толпы на острове недалеко от Парижа. Тщательная композиция дает эффект большой стабильности, который удивительным образом контрастирует с живым эффектом точек краски. В нем есть чувство правильности и даже правдивости, что делает его одним из величайших современных произведений искусства.

В 1860-х годах выставка японской гравюры в Париже очень заинтересовала импрессионистов. Они искали новую тематику и новые цветовые решения, новую точку зрения, неожиданное и оригинальное. Все это они нашли в работе Азии. Эдгар Дега был одним из импрессионистов, нашедших вдохновение в японском искусстве. Его особенно интересовала демонстрация ритмических движений с необычных углов, как, например, в The Ballet Class .

Пьер-Огюст Ренуар был еще одним из важных французских художников, которые помогли развить импрессионизм, хотя позже он предпочел более формальный стиль.Его использование теплых цветов и округлых фигур видно в его Two Little Circus Girls .

Художники XIX века США

Европа всегда привлекала американских художников, и большинство из них проводили там некоторое время, путешествуя и учясь. Некоторые, такие как Уистлер, предпочли остаться там, где они, как правило, относились к европейским школам живописи.

Предоставлено Национальной галереей искусств, Вашингтон, округ Колумбия, коллекция Харриса Уиттемора, 1943 год.6,2

Джеймс Макнил Уистлер учился в Париже, но много лет прожил в Лондоне. Как и Дега, на него глубоко повлияли японские гравюры и французские импрессионисты. Однако он не был настоящим импрессионистом, поскольку его главным образом интересовали не эффекты света и цвета, а скорее композиция изящных узоров. Подобно импрессионистам, он восстал против написания сентиментальных историй. Вместо этого он стремился вызвать эмоции с помощью образцов тона и цвета, как музыкант с помощью образцов гармонии и мелодии.Действительно, его картины имеют музыкальные названия и субтитры — «Гармонии», «Ноктюрны» и «Аранжировки». Симфония в белом, № 1: Белая девушка типичен, с его тщательной композицией и приглушенными цветами. Картина отличается ловким использованием одного преобладающего цвета — белого.

Музей Метрополитен, Нью-Йорк, Фонд Амелии Б. Лазаруса, 1910, (10.228.5), www.metmuseum.org

Другие художники, вернувшись в свою страну после учебы в Европе, разработали стили, более типичные для Америки как по сюжету, так и по обработке.Уинслоу Гомер любил море и рисовал его в разных настроениях.

Томас Икинс тоже рисовал те сцены, которые ему были знакомы. Между раундами , изображающий боксера на ринге, типичен для его работ. Он шокировал современников своей реалистичностью и нежеланием делать свои картины «красивыми». В его картинах цельность и солидность.

Музей Метрополитен, Нью-Йорк, Фонд Джорджа А. Хирна, 1915, (15.32), www.metmuseum.org

Альберт Пинкам Райдер был совершенно другим по темпераменту.Икинс был реалистом. Райдер был поэтом и романтиком. В «Труженики моря» формы плоские и простые, цвета немногочисленные и темные, эффект поэтичный и таинственный.

Ван Гог, Сезанн и Модильяни

Тем временем в Европе другие постимпрессионисты использовали открытия импрессионистов, но продолжали движение в различных направлениях. Одним из них был голландский художник Винсент Ван Гог, который за свою короткую и беспокойную жизнь оставил большое количество захватывающих картин.

Чикагский институт искусств, Мемориальная коллекция Хелен Берч Бартлетт, номер ссылки. 1926.417 (CC0)

Какое-то время он служил церкви, работая среди бедных, и чувство сострадания, которое он испытывал к людям, видно в его картинах. В то время как Сера интересовали твердость и форма, Ван Гога интересовали выражения и эмоции. Для него весь мир был выражением жизненной силы и смысла. В книге « Спальня в Арле, » он нарисовал картину маленькой комнаты, в которой он останавливался, пока писал картины на юге Франции.Нанося пигмент так, чтобы был виден каждый штрих, он придает формам ощущение жизни и энергии, а комната превращается в яркое чудо.

Фотография Триш Мэйо. Музей современного искусства, Нью-Йорк, подарок миссис Дэвид М. Леви

Поля Сезанна часто называют отцом современной живописи. Импрессионисты сделали важные открытия в области света, но Сезанн понял, что чрезмерный интерес к свету может означать игнорирование других важных аспектов, таких как форма.Игнорируя мелкие, незначительные детали поверхности, Сезанн подчеркивает сильные основные формы, лежащие в основе внешнего вида поверхности. Он внес эти изменения не потому, что не мог точно рисовать, а потому, что они были необходимы для тех эффектов, которых он хотел достичь.

Он считал, что картина не должна ограничиваться реалиями предметов. Хотя сначала изменения могут показаться странными, чем больше мы изучаем его картины, тем более «правильными» они становятся, потому что формы на картинке имеют жизнь и единство.Подобные изменения называются искажением.

Очевидное искажение также использовалось в египетских и средневековых работах, а также в произведении Эль Греко «Успение Богородицы» . Внешний вид реальности иногда игнорируется в пользу других событий или взаимосвязей в картине. Используется, когда подходит художнику.

Амедео Модильяни находился под влиянием Сезанна. В его «Девушка в розовом» было использовано искажение не только фигуры, но и фона.Но это индивидуальный стиль, чуткий и изящный.

Пикассо, Матисс и Шагал

Пабло Пикассо, испанец, проживший большую часть своей жизни во Франции, мы находим самого выдающегося художника ХХ века. Вряд ли сегодня живет художник, на которого бы он не повлиял. Чрезвычайно экспериментальный и изобретательный, он разработал серию стилей, каждый из которых сильно отличался от других и каждый был связан с определенной проблемой живописи или жизни. Он также производил большое количество расписной керамики.

epa европейское прессфотоагентство b.v./Alamy

Пикассо был одним из художников, создавших абстрактную живопись. В этом стиле живописи в готовой картине используются только избранные качества или характеристики предметов.

Сезанн, подчеркивая основные формы вещей, которые он писал, сам был абстрактным художником. Другие художники, в том числе Пикассо, развили эту идею намного дальше. Одним из видов абстрактной живописи был кубизм. В кубизме формы предметов сводились к их простейшим фундаментальным формам.

Фотография Биснест Макклейн. Музей искусств округа Лос-Анджелес, завещанный Дэвидом Л. Лоу в память о его отце Маркусе Лоу, M.74.52.2

Пикассо не только упрощает формы, но и меняет их порядок. Все формы плоские, и форма показана не штриховкой или тенями, а размещением плоских форм относительно друг друга. Различные формы оживлены богатой текстурой. Анри Матисс и Марк Шагал испытали влияние кубизма.

Дали, Миро и Вазарели

© М.Флинн / Алами

Еще более иррациональная картина — The Persistence of Memory , часто называемый Wetches , Сальвадор Дали. Трудно объяснить, почему эта картина так привлекает многих людей, поскольку на первый взгляд она кажется совершенно абсурдной. Это разновидность живописи, которую называют сюрреалистической. Это не реальный мир, а мир снов или даже кошмаров, где часы могут висеть над ветвями и быть съеденными муравьями. Психологи показали нам важность нашего подсознания и того, как оно самоутверждается во сне.Какими бы фантастическими они ни были, сны можно объяснить с точки зрения нашего опыта или желаний. Это очень личный вид живописи, поскольку символы, вероятно, имели особое значение для Дали. Это универсальный вид живописи, в котором все мы узнаем мир своей мечты.

Фантазия также выражена в картине Жоана Миро, Карнавал Арлекина . Сказочный арлекин демонстрирует нам свои фокусы. Даже кошка и собака на переднем плане присоединяются к веселью.Поскольку все это волнение должно быть в значительной степени связано с зрением, Миро поместил несколько глаз и глазковидных фигур по всему изображению. В верхнем левом углу — большое ухо; тем лучше слышать музыку. Благодаря разнообразию форм, символов и ярких красок Миро воссоздает живой мир арлекина.

Ни фантастика, ни реальность не играют роли в необъективных работах венгерского художника Виктора Вазарели, например, в его экспериментах с оптическим или оптическим искусством, стилем, который связан с оптической иллюзией.Большинство художников со времен Возрождения использовали иллюзии для создания глубины. Однако обычно зритель не замечает этих иллюзий.

Оперные художники, понимая природу видения, создают очевидные и стойкие иллюзии восприятия. Цвета могут казаться вибрирующими, или поверхность холста может казаться волнистой. Эти ощущения не случайны; скорее, они являются результатом систематического применения научных принципов. Хотя его корни уходят в более ранние эксперименты с цветом, движение оп-арта фактически началось в 1950-х годах.

Художники ХХ века, США

Еще с колониальных времен в Соединенных Штатах существовали сильные традиции реализма. Джордж Беллоуз с удовольствием рисовал до безумия реалистичные изображения боев за призовые места и боксерских поединков. Он также мог рисовать очаровательные и нежные картины, такие как Lady Jean , портрет его дочери, одетой в одно из платьев и шляп ее матери.

Грант Вуд, который жил и работал в основном на Среднем Западе, был важной фигурой в создании группы в 1930-х годах, которые называли себя американскими художниками-сценографами.Надеясь вырваться из-под влияния европейского искусства, эти люди использовали только те сюжеты, которые были типичны для их страны. Женщина с растением — честный портрет матери Вуда. Изображая ее на фоне упорядоченного фермерского пейзажа, он придает фигуре символическое достоинство. Движение American Scene оказало услугу по привлечению внимания к тому факту, что люди и пейзажи Соединенных Штатов предлагают приемлемое содержание для искусства. Однако он был узким, поскольку отклонял работы художников других стран просто потому, что они были иностранными.

Совершенно в ином русле картина Морриса Грейвса «Пение птиц в лунном свете» . На плоском, теплом сером фоне, напоминающем о глубине и мягкости ночи, маленькая птичка поет свою песню. На картинке мы видим, что птица буквально массой тонких тонких линий окутана собственной мелодией. Художник-реалист не может нарисовать песню, а может поэтично и романтично.

Работы Адольфа Дена и Джона Марина сразу поражают своим блеском и свежестью.Отчасти это связано с тем, что они написаны прозрачными акварельными красками — средой, которая поддается таким эффектам. Оба мастера владеют акварелью.

Весна Дена в Центральном парке — захватывающая тема. Пологий склон луга, неправильные узоры ветвей и стволов деревьев и мягкость листвы — все это контрастирует с геометрическими и правильными формами горизонта Нью-Йорка за его пределами. Природа в городе из камня и стекла становится еще более прекрасной вещью.Каждый выделяет и дополняет особые качества другого.

Коллекция Филлипса, Вашингтон, округ Колумбия

Марин, как и Марсден Хартли, был очарован пейзажами штата Мэн. Maine Islands был сделан с предельной простотой. Указываются только вода и острова, а также растения на переднем плане. Но каждый штрих вызывает массу впечатлений и предложений. При жизни Марина часто называли величайшим художником Соединенных Штатов. Хотя на него повлияли европейские работы (самолеты в Maine Islands явно вдохновлены кубизмом), его картины имеют отчетливо личный и национальный колорит.

Бен Шан был соцреалистом. Он писал не аристократов, как художники XVIII века, а представителей рабочего класса с их проблемами и удовольствиями. В Mine Disaster Shahn изобразил трагическую сцену — собрание родственников, ожидающих известий о несчастном случае на шахте. Хотя в основном он был реалистом, Шан использовал абстракцию там, где это соответствовало его художественным целям. Фон Mine Disaster , например, состоит из нескольких прямоугольных форм красного и черного цветов, представляющих здание.Полное отсутствие деталей на заднем плане усиливает ощущение запустения сцены и помогает сосредоточить внимание зрителя на лицах на переднем плане. Напряженные угловатые черные линии, определяющие лица, выражают как горе, так и тревогу.

Эндрю Уайет — реалист другого сорта. Его фотография мальчика из Пенсильвании, едущего на своем новом велосипеде, под названием Young America , написана с большой точностью и вниманием к деталям. Его первое впечатление — это свобода, потому что мальчик с легкостью ездит по плоскому ландшафту.Однако и земля, и небо не имеют событий, и хотя это означает, что нет ничего, что отвлекало бы от всадника, это также предполагает, что он проходит через пустой мир. Его помещают близко к правому краю изображения, и, хотя это усиливает ощущение движения, оно вносит дисбаланс. Мальчик смотрит из кадра в сторону от зрителя; все, на что он смотрит, можно угадать, но не увидеть. Точка зрения Уайета на его предмет низкоугольная. Это подчеркивает всадника, резко контрастируя с светлым небом.Цвета изображения приглушены, а самая большая область — нейтрально-серого цвета. Главное впечатление — меланхолия.

Во время Второй мировой войны многие европейские художники уехали в Соединенные Штаты, где они оказали огромное влияние на молодых художников. После войны группа этих художников инициировала движение, которое стало известным во всем мире и послужило образцом для художников во всем мире. Их называли абстрактными экспрессионистами (или иногда художниками-боевиками), они создавали работы, которые, как правило, были крупномасштабными, энергичными по сути и очень индивидуалистическими по своему характеру.Движение процветало в десятилетие сразу после войны, когда Соединенные Штаты вступали в период большого экономического и политического развития. Работы абстрактных экспрессионистов передают силу и уверенность могущественной страны, но они также являются частными заявлениями, провозглашающими важность личности перед лицом давления на конформизм и деперсонализацию. С появлением абстрактного экспрессионизма Соединенные Штаты впервые в своей истории стали центром западного мира искусства.

Изображения Fine Art / SuperStock

Джексон Поллок был одним из первых абстрактных экспрессионистов, добившихся известности. Поллок применил пигмент необычным образом: он положил холст на пол и вылил на него краску, меняя цвет, тип и толщину краски по мере продвижения работы. Линии пигмента, таким образом, отражают движения его руки и тела, когда он наносил краску; таким образом деятельность живописи стала частью самой картины. Это впечатление спонтанности и огромной энергии.Когда картины Поллока были впервые выставлены, его метод рисования был встречен выражениями возмущения. Но у него были и сторонники, и его влияние было огромным.

Изображения Fine Art / SuperStock

Виллем де Кунинг — один из немногих абстрактных экспрессионистов, которые не отказались полностью от темы. Женщина II — из серии картин, в которых он использовал женскую форму. Как и в случае с работами Поллока, зритель немедленно осознает процесс рисования, и в грубой силе четко различимых мазков присутствует жестокость.Многие абстрактные экспрессионисты, хотя и не первые художники, которые сделали это, сохраняют свидетельство каждого мазка кисти и считают это одной из основных ценностей своих картин. В Woman II контуры фигуры нечеткие; невозможно сказать, где заканчивается фигура и начинается фон. Фигура пытается вырваться из сковывающего ее фона.

Одним из наиболее важных достижений в живописи 20-го века была эволюция новых живописных форм, сочетающих широкий спектр материалов.Например, коллаж — это произведение, состоящее из кусочков материалов, прикрепленных к фону. В коллажах часто используются самые разные материалы: фотографии, заголовки газет, билеты в театр, крышки спичечных коробков и т. Д. В некоторые картины включены части реального объекта, изображенного на холсте. Коллаж разрушает барьеры между реальностью и представлением.

В Blackboard , Конрад Марка-Релли использовал только один материал, окрашенный холст, который он разрезал на различные размеры и формы и собрал на другом холсте.На некоторых изделиях он нарисовал тонкие белые линии, которые добавляют разнообразия гибким и вызывающим воспоминания формам. Тонкая смена оттенков от одной части работы к другой и взаимодействие контрастных и гармоничных форм делают эту работу завораживающей привлекательностью. Хотя Марка-Релли принадлежит к абстрактному экспрессионистскому движению после Второй мировой войны, в своей технике он был гораздо менее резок, чем большинство из них. Его иногда называют лирическим абстракционистом из-за гармонии и приглушенных цветов его работ.

Summertime художника Ромара Бирдена — тоже коллаж, но сделанный в основном из бумаги. Это сцена городской улицы в жаркий летний день. Обработка фигур, состоящих из фрагментов, испытала влияние кубизма. Используя детали, взятые из многих источников, Бирден создал произведение, одновременно мощное и поэтичное, универсальное, а не конкретное.

Поп-арт, направление, зародившееся в конце 1950-х годов, возникло как реакция на абстрактный экспрессионизм.Вместо того, чтобы избегать ссылок на массовую культуру, поп-артисты принимали и использовали их: бутылки для безалкогольных напитков, заправочные станции, комиксы, рекламные щиты, самолеты и гамбургеры. Это признание не было бесспорным, поскольку, используя популярные образы в своем искусстве, поп-артисты одновременно прославляли технологическую культуру и демонстрировали ее дешевизну и пошлость.

Энди Уорхол « Ethel Scull Thirty six Times », состоящий из множества изображений одного и того же человека, ясно показывает влияние машинного производства.(В некоторых из своих многочисленных портретов Уорхол даже использовал идентичные изображения.) Все виды объекта картины основаны на фотографиях, увеличенных с помощью механических средств и воспроизведенных методом шелкографии. В отличие от большинства портретов, на которых изображен один вид человека, этот дает множество видов и настроений объекта.

Марисоль, художник-скульптор венесуэльского происхождения, известна своими сатирическими портретными группами общественных деятелей. В The Family портреты членов скромной семьи написаны и вылеплены.Различие между иллюзией глубины и реальной глубиной размывается. Прямоугольные формы, на которых нарисовано большинство фигур, говорят нам кое-что о простой, но твердой природе предметов. Семья изображена с состраданием, но без сантиментов.

Хотя Роберт Раушенберг обладал некоторыми чертами абстрактного экспрессиониста, особенно в обращении с краской, он использовал образы поп-художника. В Tracer он соединил многие вещи, среди которых два вертолета, американского орла и женскую фигуру с картины Рубенса.Большая часть пространства вокруг этих разрозненных форм покрыта энергичными мазками. Похоже, что нет общей темы, сочетающей эти элементы с их различиями в масштабе, источнике и технике. Зрителю напоминаются внезапные и прерывистые изменения изображения, происходящие на экране телевизора.

Предоставлено попечителями галереи Тейт, Лондон

Творчество Роя Лихтенштейна — еще один пример поп-арта. Художник увеличил изображения комиксов до героических размеров. Таким образом, они стали иконами современности, иронической данью власти средств массовой информации.Поп-арт представляет собой возвращение к объективной, безличной и универсальной форме искусства.

Музей Нортона Саймона, Пасадена, Калифорния, Покупка музея, Фонд привлечения стипендиатов, 1968

Как поп-арт был реакцией на абстрактный экспрессионизм, так и поп-арт вызвал свою собственную реакцию. За ним последовало движение под названием минимализм, в котором были отвергнуты все изображения, а также все предложения атмосферы. Акцент был сделан на предельной простоте форм, больших цветовых областях и их взаимодействии.Эллсуорт Келли — один из многих художников, которые работали в этой манере.

Огромное разнообразие характеризует современную живопись в Соединенных Штатах, и есть художники, работающие в десятках разных стилей. Это разнообразие характерно для современной жизни, и каждый стиль отражает, ставит под вопрос или анализирует некоторые аспекты современного общества. Огромный рост галерей и кооперативов художников позволил современной живописи в Соединенных Штатах стать международной по своему статусу.

Канадские художники

Вплоть до 20 века живопись в Канаде была почти полностью производной от французского и английского стилей. В период между 1910 и 1930 годами некоторые художники в Торонто, Онтарио, называющие себя Группой семи, начали развивать национальный стиль, выражая канадский дух в своих картинах. Они выбрали пейзаж в качестве общего (но не исключительного) предмета. Художники в группе, хотя и были объединены общим делом, разработали множество личных стилей.

Один член, J.E.H. Макдональд был не только художником, но и поэтом, и его полотна одновременно сильны и лиричны. The Solemn Land запечатлел безбрежность, великолепие и одиночество канадского пейзажа. Влияние «большой семерки» было огромным. Это заставило канадцев осознать великолепие своей страны и породило гордость за ее особую красоту.

Более поздней художницей, находящейся под влиянием Группы семи, была Эмили Карр. Ее картины были более экспрессионистскими, чем у ее предшественников.Во многие из своих полотен она включила тотемные столбы индейцев западной Канады.

В Абстрактная композиция канадского художника Жана-Поля Риопеля нет четко обозначенного предмета, но зритель может найти несколько различных предложений: разделение света, когда он просачивается сквозь деревья; великий взрыв, разбивающий некогда твердые формы на фрагменты. Риопель явно находился под влиянием кубизма, но в своей энергичной манере письма он объединился с абстрактными экспрессионистами.Хотя Риопель был интернационалистом в живописном стиле, во многих его работах отмечен намек на пейзаж, предающий его канадское наследие.

Латиноамериканские художники

Одним из величайших мексиканских художников был Диего Ривера. Когда ему было поручено нарисовать фрески во дворе Детройтского института искусств, он логично выбрал автомобильную промышленность в качестве своей темы. В «Люди и машины », одной из сцен фрески, Ривера вплетает в понятный дизайн такие формы и узоры, как люди, печи, конвейерные ленты и сборочные линии.

Более типичным для мексиканской тематики является сапатистов Хосе Клементе Ороско. Эмилиано Сапата был лидером мексиканской революции, которая сделала возможным народное правительство. Это чисто национальная тема. Характерная мексиканская одежда, особенно форма шляп, придает картине особый колорит. Но его художественная ценность основана на композиции — повторении фигур мужчин со штыковыми винтовками, образующих энергичный узор диагоналей; контраст прямых и изогнутых форм; контраст теплых и холодных тонов.

Совершенно иную тему использовал бразильский художник Кандидо Портинари в своем фестивале . Канун Св. Иоанна . Разнообразие форм, резкие контрасты между светлым и темным и использование цветов были задуманы, чтобы создать идею праздника. Композиция в основном круглая. Это также важно для передачи идеи праздника. Картина была уничтожена пожаром в Музее современного искусства в Нью-Йорке в 1958 году.

© Prometheus72 / Shutterstock.com

На творчество Фернандо Ботеро из Колумбии явно повлияла испанская колониальная живопись.Но Ботеро преувеличивает размеры своих объектов и излишне подчеркивает детали, таким образом обращая внимание на упадок устаревших форм и поведения в современную эпоху. Самодовольство и самодовольство, самодовольная невинность, которую он изображает, составляют высокую степень сатиры и пародии.

Художник чилийского происхождения Роберто Антонио Себастьян Матта Эчауррен, известный как Матта, был влиятельным сюрреалистом с международной репутацией. Формы Матты, в отличие от Дали и Миро, не узнать.Однако они очень запоминающиеся. На картине 1941 года под названием « Слушай, как жить» формы источают огромную жизненную силу. Неизвестные жизненные силы действуют, перемещаясь по воображаемому ландшафту на холсте с энергией и скоростью. Сюрреалистические формы Матты абстрактны и органичны (по сравнению с геометрическими формами Вазарели).

В работах аргентинского художника Эдуардо Макэнтайра присутствуют геометрические узоры. Основа его генеративной живописи : черный, красный и оранжевый , например, проста: два ряда слегка очерченных кругов, по одному с каждой стороны картины.Однако там, где они пересекаются, волшебным образом появляется новая и отличная форма — красивая, живая и независимая. Это картина, в которой простейшими средствами достигается богатый и, казалось бы, сложный результат.

Азиатские художники

Китай был очень цивилизованным, и его искусство процветало в период, соответствующий средневековью Европы. Дань-лошадь , картина на шелке, была написана во времена династии Сун, просуществовавшей с 960 по 1279 год.На нем изображен величественный пейзаж, по которому движется сверкающая процессия. Нам импонирует большая тонкость и мастерство росписи. Каждый мазок наносится с глубоким чувством формы и текстуры, которые он представляет. Китайские художники всегда предпочитали природу в качестве сюжета, и они никогда не были превзойдены в своих изображениях растений и рельефа.

Кришна держит гору Говардхан , картина школы Великих Моголов (1556–1605) в Индии, иллюстрирует историю из великого индуистского эпоса.Кришна убедил людей поклоняться горе Говардхан и поклоняться ему как горному богу. Индра, древний бог дождя, разгневался и завидовал, и на него хлынули потоки дождя.

Тогда Кришна показал свое превосходство над Индрой, подняв гору одной рукой, укрыв под ней людей, пришедших поклониться ему. Этот драматический момент представлен с большим богатством деталей и красок.

Япония тоже имеет долгую и богатую событиями историю живописи. Свиток Священник Кобо Дайси в детстве является особенно прекрасным примером.Эта картина акварелью, тушью и позолотой по шелку была создана неизвестным художником. В типично японской трактовке молодой священник заключен в круг, изолирован от мира повседневной реальности. Его тело и цветок лотоса, на котором он стоит на коленях, образуют треугольную форму. Его черные волосы создают самый резкий акцент на картине. Остальные цвета, как правило, приглушенные, контрастируют с тусклым фоном. Линии четкие, очерчивающие плоские декоративные области. Здесь нет попытки передать иллюзию глубины.Маленький ребенок впечатляет своей безмятежностью и преданностью.

Рисунки любителей и детей

© rogkov / iStock.com

Не только известные художники вносят свой вклад в развитие общества. Любой творец, даже незначительный, который открывает некоторую правду о жизни и выражает ее в художественной среде, помогает не только себе, но и своим слушателям. Бесчисленное количество людей рисуют в свободное время. В живописи они находят творческую деятельность, которая выражает их собственные идеи и эмоции.Среди известных художников-любителей были такие люди, как сэр Уинстон Черчилль и Дуайт Д. Эйзенхауэр.

Живопись также стала важной в образовании. Было обнаружено, что дети способны создавать прекрасные картины. Эти два примера прямо и прямо выражают то, что хорошо знали молодые художники. Когда кто-либо рисует, независимо от его возраста, важно, чтобы он был честен с самим собой и чтобы идеи, которые он выражает, были его собственными. Это не значит, что он не может или не будет учиться у других людей.Но родители и учителя совершают ошибку, навязывая свои идеи молодым людям или устанавливая определенные требования к тому, как все должно выглядеть.

Молодые люди в развитии своих способностей к рисованию и живописи проходят ряд этапов, связанных с их психологическим и физиологическим развитием. Попытки обойти эти необходимые этапы развития приводят только к тому, что ребенок недоволен своей работой. Может быть потеряна естественная для детей свежесть подхода.

Детям нужна помощь, когда они в ней нуждаются — помощь, чтобы лучше выразить свои идеи. Это руководство очень отличается от навязывания им идей взрослых.

Живописные материалы

Материалов, с которыми работает художник, относительно немного. Наиболее важны краски, содержащие красящее вещество, называемое пигментом. Некоторые пигменты имеют цвет земли или минералы, а другие производятся химическим путем. Каждый вид краски обладает уникальными качествами и может производить одни эффекты, но не другие.Таким образом, художник должен работать в пределах возможностей и возможностей материалов.

В средние века большинство художников работали с темперой, как и Чимабуэ в Мадонна ангелов . Темпера делается из земли или минеральных пигментов, смоченных водой, а затем смешанных с белковым веществом, таким как яичный белок. Цвет ровный, слегка глянцевый. Поскольку он быстро «схватывается», его нельзя использовать для моделирования или изменения поверхностей. Темпера обычно пишут на дереве, покрытом штукатуркой, и обрабатывают до гладкой твердой поверхности.

Фреска, масло, акрил и акварель

Фреска — это процесс рисования по мокрой штукатурке. Он особенно хорошо подходит для больших поверхностей стен. Дизайн картины сначала наносится на поверхность стены. В начале каждодневных работ накладывается свежая штукатурка, на которой и делается дневная роспись. Эскиз перерисовывается на влажной штукатурке и наносится пигмент. В процессе высыхания пигмент соединяется с штукатуркой и становится стойким. Цвета, однако, несколько ограничены.

© Дмитрий Пичугин / Fotolia

Ван Эйки были одними из первых, кто полностью использовал масляные краски. Масло стало наиболее часто используемым из всех сред. Пигменты смешаны с льняным маслом, что позволяет им легко и тонко растекаться. Масляные краски могут быть прозрачными или непрозрачными, чтобы художник всегда мог контролировать глубину эффекта. Картины маслом обладают необычайным блеском и глубиной.

Пластиковые смеси, такие как акриловые эмульсии, стали широко использоваться с середины 20 века.Некоторые художники предпочитают их маслам, потому что они быстрее высыхают и их можно разбавить водой. Кроме того, они считаются более прочными.

Акварель широко используется западными художниками всего несколько сотен лет. Самый распространенный вид — прозрачный. И Марин, и Ден использовали в своих картинах прозрачную акварель. Поскольку акварель растворяется в воде, возможен широкий диапазон значений от очень светлого до очень темного. Поскольку они прозрачные, белая бумага, на которой они обычно сделаны, может просвечивать.Возможны блестящие эффекты, а акварель может быть свежей и непосредственной. В отличие от масляных картин, которые можно менять и над которыми можно работать в течение длительного периода времени, акварель из-за своей прозрачности ухудшается или тускнеет при переделке. Гуашь и темпера — непрозрачные акварели. По действию они похожи на темпера.

Кисти и поверхности

Художественные кисти сделаны из шерсти различных животных, например соболя, куницы, верблюда или быка, или из щетины свиней и кабанов, или из искусственных волокон.Тип и размер кисти зависят от среды, которую использует художник, и желаемых эффектов. Некоторые художники, работая маслом, наносят краску мастихином с тонким гибким лезвием, а не кистью. Ван Гог часто писал в этой манере. Краски обычно смешиваются на устройстве, называемом палитрой. Он изготовлен из металла, дерева или пластика.

Тип поверхности, на которой рисует художник, зависит от используемого материала. Фрески всегда нужно делать на влажной штукатурке.Темпера обычно выполняется на дереве с гладкой поверхностью. Обычный материал для акварели — бумага с твердой, но текстурированной поверхностью. Масляные и акриловые краски можно наносить на штукатурку, холст, дерево или металл. Обычно сначала обрабатывают поверхность, чтобы цвета не впитались в материал.

Заключение

Через живопись художник выражает идеи и эмоции, а также версию реальности, которую он или она воспринимает, в двухмерной визуальной форме.Язык художника состоит из форм, линий, цветов, тона и текстур, которые смешиваются различными способами, чтобы вызвать у зрителя ощущения света, пространства и движения. Некоторые художники рисуют конкретные формы, с которыми обычно знакомы зрители. Другие пытаются создать совершенно абстрактные отношения. Изучать картины любого возраста — значит смотреть на разнообразные интерпретации эпохи, в которой они были созданы.

Активное участие любителей в процессе рисования помогает людям исследовать смысл своего опыта.Выражая личные чувства, художник развивает индивидуальность. Принятие во внимание живописи углубляет и обогащает жизнь.

Эдвин Зигфельд

Изд.

Дополнительная литература

Методы, материалы и методы

Броммер, Г.Ф., Кинн, Н.К. Исследуя живопись, 2-е изд. (Дэвис, 2003 г.) Клеман, Серж, и Камена, Марина. Радость искусства: творческое руководство для начинающих художников (Абрамс, 2000).Эдисон, Дайан. Динамическая цветная живопись для начинающих (Абрамс, 2008) Эдвардс, Бетти. Новый рисунок на правой стороне мозга, расширенное и обновленное изд. (HarperCollins, 2008) Фуга, Антонелла. Художественные методы и материалы (Гетти, 2006). Ходж, Энтони. Картина (Уоттс, 2008). Дженнингс, Саймон. Руководство нового художника: Полное руководство по материалам и техникам для рисования и рисования (Хроники, 2006). Уотсон, Люси и другие. Полный справочник по рисованию и живописи (DK, 2009).

История и признательность

Эктон, Мэри. Учимся смотреть на картины, 2-е изд. (Routledge, 2009) Баркер П. Краткие уроки истории искусств: художники и их творчество, изм. и обновлено (Walch, 2002) .Brommer, G.F. Открывая историю искусств, 4-е изд. (Дэвис, 2007) Дом Челси. Энциклопедия искусства для молодежи (Chelsea House, 2008). Дикинс, Рози и Гриффит, Мари. Усборн Введение в искусство, новое изд. (Usborne, 2009). Janson, H.W., and Janson, A.F. История искусства для молодежи, 6-е изд. (Абрамс, 2003) Кляйнер Ф.С. Искусство Гарднера сквозь века: краткая глобальная история, 2-е изд. (Wadsworth / Cengage, 2009 г.) Сэйр, Генри. Наскальные рисунки Пикассо: Внутренний совок на 50 шедеврах искусства (Хроники, 2004). Стерджис, Александр, изд. Понимание картин: темы в искусстве исследованы и объяснены (Beazley, 2003).Уилкинс, Д.Г., изд. Большая книга искусства Коллинза: от пещерного искусства до поп-арта (Коллинз, 2005).

Почему классические и современные картины выглядят так по-разному

Фотографии любезно предоставлены Художественной библиотекой Бриджмена

В ноябре Джон Э. Бьюкенен-младший, исполнительный директор Художественного музея Портленда (Орегон), пригласил Роберта Гамблина выступить с публичным лекция о том, ПОЧЕМУ классические картины отличаются от картин импрессионистов. Это текст его лекции и иллюстрации, в которых представлена ​​замечательная группа картин французского барокко, представленная на выставке «Триумф французской живописи» в Художественном музее Портленда осенью 2003 года.

Почему классическая живопись отличается от современной?

Чтобы ответить на этот вопрос, я хотел бы обсудить с вами

  • разницу между косвенными и прямыми методами рисования
  • эволюция цветов художников
  • роль художника как создателя нашей культурная память

Клод Лоррен и Клод Моне предлагают хорошие примеры двух основных стилей живописи: непрямого и прямого рисования.

Структура картины: прямое против косвенного

Классический подход к рисованию называется косвенным, потому что то, что вы видите, представляет собой комбинацию трех или более слоев картины. Зритель видит все три слоя, видимые одновременно в разных частях картины. Художник тщательно планирует наслоение для создания определенных визуальных эффектов.

Посмотрите на диаграмму, которую я нарисовал, чтобы она имела смысл. Здесь мы смотрим на картину сбоку.

  • Холст внизу
  • Белая земля наверху холста
  • Фактические слои краски на земле.

Первый слой, называемый имприматурой, наносится поверх изображения, нанесенного на землю.

Тонкая «растирка» масляного цвета устанавливает средний тон картины. Часто художники используют темный прозрачный цвет, например жженую сиену, наносимую на белую землю, чтобы поверхность картины казалась мягко блестящей.

Если бы художник применил темный непрозрачный слой вместо прозрачного, темный цвет поглотил бы весь свет, поэтому картина будет выглядеть очень плоской.Вы можете видеть, что мой луч света проходит через этот слой до земли.

Следующий слой, который применяет художник, — непрозрачный. На этом слое он / она рисует большинство человеческих форм и другие элементы, чтобы создать историю и придать картине ее повествовательный характер. Некоторые художники, особенно Рембрандт, рисовали этот слой как слой импасто — слой, созданный толстым слоем масляной краски.

Третий слой может быть одним или несколькими слоями прозрачных глазурей. Слои глазури используются для

  • унификации цвета света
  • управления интенсивностью света
  • нажимать формы и элементы для создания ощущения трехмерного пространства.

Глазури добавляют объем благодаря своей прозрачности. Во времена Клода Лоррена художники создавали прозрачность, добавляя к своим краскам среды для рисования, чтобы раздвигать частицы пигментов. Сегодня художники могут использовать прозрачные пигменты для создания того же эффекта.

На схеме глазури красные.

Вы можете видеть, что световые лучи отражаются сразу от непрозрачного слоя, но проходят сквозь слой прозрачной глазури. Свет интересно взаимодействует с глазурью.ОНО СВЕТИЛ ИХ СЗАДИ.

Свет распространяется внутри поверхности картины. Затем свет окрашивается глазурью, возвращаясь в глаз. Применение большого количества глазури делает картины темнее, потому что очень много света задерживается внутри красочной пленки. Вы можете видеть, что на этой диаграмме есть четыре световых луча, которые показывают четыре способа взаимодействия света с поверхностью. Рембрандт — мастер непрямого наслоения цвета.

Вы можете видеть

  • имприматура на заднем плане
  • непрозрачная окраска форм
  • остекление более или менее по всем формам, придавая формам объем.

Многослойная глазурь может усилить ощущение драматизма, как на этой картине Мастера свечей «Св. Себастьян, о котором заботится Ирэн »- драматизм повествования усиливается этой затемненной сценой, поэтому напряжение усиливается в темноте. Художник достигает этого эффекта, используя прозрачность, позволяющую свету проникать глубоко внутрь картины. Эффект свечения картины достигается за счет мягкого выхода света.
Сотни лет, вплоть до импрессионистов, художники создавали свои картины именно таким образом, используя примерно одну и ту же палитру цветов, рассказывая одни и те же истории.Их гениальность определялась уникальными способами преобразования художественных материалов в повествования, рассказывающие нам наши истории.

Прямая живопись

Импрессионисты первыми применили прямую живопись.

Большинство цветов старых мастеров были прозрачными, большинство цветов импрессионистов были непрозрачными. Смотрите схему, прозрачных слоев нет.

Вот деталь непрозрачной поверхности с сильно нанесенными слоями краски Impasto.Все световые лучи отражаются от поверхности. Ни один свет не проникает в слои. Свет, который вы видите, цвет, который вы видите, исходит прямо от поверхности. Художник, возможно, нанес еще несколько слоев, но все предыдущие работы скрыты. Возможно, на поверхности видна только текстура нижних слоев.

Вот несколько примеров прямой живописи:

Это картина Моне на пляже. Если бы вы могли видеть это внимательно, на поверхности прилипло много песка.

Сравните это произведение Моне с произведением Шале «Мадонна с младенцем в тюрьме». Я думаю, разница в том, как свет взаимодействует с поверхностью, очевидна. Его принимают и возвращают только часть. Другой отражает свет со всей поверхности.

Импрессионисты перенесли свои яркие непрозрачные краски в пейзаж. Эта структура прямого рисования — единственная, которая хорошо работает для создания наружного света, потому что мир природы характеризуется светом, заливающим пейзаж.Чтобы создать картину, которая создает это ощущение заливающего света, художник должен убедиться, что много света отражается прямо на зрителя.

Они делают это за счет использования непрозрачных цветов с яркостью, которые отражают свет сразу от поверхности, не позволяя свету проникать в структуру и поглощаться пленкой краски. Таким образом достигается ощущение яркости от фактической яркости.

Моя личная работа направлена ​​на достижение тех же целей. Вот несколько примеров. Большинство из них было написано здесь, в долине Уилламетт.

Доступная палитра цветов

Теперь давайте посмотрим на цвета, которые сформировали их палитры. Классический художник использовал совсем другую цветовую гамму, чем импрессионисты.

Художники создают картины не менее 30 000 лет. В истории пигментации всего три периода.

Первый период начинается 30 000 лет назад и продолжается до 1700 г. в начале промышленной революции. Этот период истории искусства характеризуется использованием пигментов, которые в основном были найдены в земле: пигменты из земли, такие как сиена, умбра, красное железо, или цвета из камней: ляпис, малахит, азурит или натуральные органические вещества, такие как ягоды, соки, сок насекомых, сок растений.

Большинство использованных цветов были земными. Но такой преуспевающий художник, как Ван Эйк, живший в торговом центре, таком как Брюгге, имел доступ к более ярким материалам.

Затем Промышленная революция с 1700 по 1900 год дала полную палитру цветов, которые были получены путем сплавления металлов вместе при высокой температуре для создания смешанных оксидов металлов из кобальта, марганца, железа, кадмия, свинца и других.

Все картины на выставке «Триумф французской живописи» написаны красками первого периода; импрессионисты использовали краски второго периода.

Для тех из вас, кому интересно, третьим периодом был 20 век, который дал нам полную палитру современных органических красок: например, хинакридон, фтало, нафтол. Слева представлена ​​цветовая диаграмма всех доступных сегодня цветов.

Здесь цвета земли первого периода, цвета промышленной революции. Здесь присутствуют современные органические цвета 20 века.

А вот и картины моего учителя Вольфа Кана, который рисует пейзаж, но использует много цветов 20 века.

Это был краткий обзор истории пигментов, теперь давайте подробнее остановимся на этом.

Ниже приведены две картины, на которых изображены палитры художников. Интересно, что они имеют почти одинаковые цвета на палитре.

Белый, несколько землистых цветов и красный. Ни синего, ни зеленого, ни фиолетового, ни синего, ни зеленого, ни фиолетового на картинах.

Итак, вот группа цветов, распространенных с классического периода: охра, умбра, сиена, terre verte, черная слоновая кость, свинцово-белый, смальта, вердигр, киноварь, розовая марена.Сравните их с цветами на палитре этой картины, и вы увидите большинство тех же цветов. Но я хочу, чтобы вы заметили, что здесь много приглушенных цветов и мало ярких цветов.

Вот еще одно из шоу, чтобы еще раз проиллюстрировать их использование цвета: повествование изображено в значении с использованием приглушенных цветов; яркие цвета, используемые для драматического эффекта.

Импрессионистам повезло, что цвета, необходимые для создания света природного мира, и их желание сделать это возникли одновременно.До середины 19 века пигменты были недоступны для импрессионистов. У них было бы свое художественное видение, но не было бы инструментов для воплощения своих идей в жизнь. К 1860-75 гг. Для промышленности был разработан полный спектр непрозрачных, светостойких цветов, которые начали использовать художники. Это интересный переход. На первом этапе истории пигмента художники или их ученики изготавливали большую часть материалов в студии. Пигменты покупались в аптеке, а краску превращали в мастерскую.К середине 19 века промышленность создала новые пигменты в больших количествах, которые впервые были использованы в промышленности. И эти пигменты также делались небольшими производителями в художественные краски. Это источник нашего бизнеса.

Обратите внимание на набор образцов базовой палитры импрессионистов. Имеется достаточно чистых цветов, поэтому я могу теперь сделать цветовое колесо из цветов с регулярными шагами вокруг этого цветового круга. Все цвета насыщенные, за исключением желтой охры.Импрессионисты выбросили все земные цвета, кроме желтой охры. Его оставили, потому что он был слишком ценным. Это был цвет дороги, пляжа или деревенских стен.

Ценность этой палитры — наличие чистых цветов на регулярных шагах по цветовому кругу, поэтому художники могут иметь доступ к большому количеству цветового пространства. И это то, что требуется, чтобы нарисовать все возможные ситуации освещения. Дополнительным преимуществом этих ярких минеральных красок является то, что они теряют интенсивность своего цвета при смешивании с другими цветами.Минеральные цвета легко переходят в цвета природного мира. Свет мира имеет как приглушенный, так и насыщенный цвет.

Как показано на этой картине Моне, поле маков, насыщенные маки, приглушенные травы, прекрасное воссоздание света позднего лета.

Использование цвета, драма или наука, а не физиология

Следующее различие, которое следует учитывать, — КАК художники использовали свои цвета.

Повествование в классической живописи изображается прежде всего в ценностях.Эффект обычно достигается при помощи приглушенных цветов. Посмотрите на этого Леонардо слева. Нет цветов, только приглушенные цвета. Тело святого Иоанна выкрашено в белый цвет, а все остальное — в земляные цвета. И это тело было залито прозрачными земными красками.

Земляные цвета были основной палитрой для большинства художников, которые затем прибегали к более ярким цветам, если они у них были, чтобы нести драматический эффект. Экстравагантное использование Ван Эйком очень дорогого киноваря демонстрирует статус и богатство этого предмета.Они думают, что это может быть автопортрет, который он написал для продвижения своего бизнеса портретной живописи.

«Поклонение волхвов» выглядит как сцена прямо из драматического спектакля. Персонажи, одетые в яркие одежды, несут в себе драматический элемент. Представьте, что все они раскрашены землистыми красками, драматичность сильно уменьшится. Светящийся красный цвет спящей Венеры усиливает зрение. Я уверен, что художники того времени интуитивно знали то, что доказали современные ученые: взгляд на красный заставляет сердце биться немного быстрее.

Художник создал полупрозрачное свечение в определенных частях тела. Его получают путем тщательного смешивания и нанесения как прозрачных, так и непрозрачных цветов, чтобы свет немного проникал на поверхность, а затем возвращался обратно. Сочетание этой интенсивности с тенью усиливает эффект.

Еще одно использование цвета в классические времена заключалось в том, чтобы просто выставить напоказ.

В «Святой Анне, ведущей деву в храм» (которая также присутствует в сериале), использование Ультрамаринового синего, кажется, является причиной написания картины.Ультрамарин синий, сделанный из лазурита, — самый дорогой пигмент из когда-либо созданных. Когда покровитель просил использовать синий ультрамарин в картине, в контракте указывалось, где он будет использоваться и сколько денег будет доступно для покупки пигмента. Мне эта работа кажется символом статуса.

Цвет также использовался символически. Пуссен одел Деву Марию в синее. Я не знаю, почему Джозеф в желтом, за исключением, возможно, визуального эффекта, чтобы отвлечь ваш взгляд от лодки на фигуры в облаках.

С другой стороны, как я уже упоминал, живопись импрессионистов использовала цвет для изображения всего спектра световых эффектов природного мира.

Я постоянно возвращаюсь к Моне, потому что его достижение поразительно. Когда мне было 20 и я был слишком крут, как может быть двадцатилетним, я любил импрессионизм, но мало думал о Моне. Поскольку массам больше всего нравился Моне, я подумал, что они, должно быть, ошибались. Но теперь, когда я стал гораздо менее крутым, чем был в 25, я трепещу перед его достижениями.

Интересным дополнением к истории его серии о тополях является то, что он начал их рисовать, а затем узнал, что деревья должны быть проданы с аукциона для вырубки. Моне пошел к одной из лесозаготовительных компаний, торгующей деревьями. Он спросил владельца, сколько он готов заплатить за деревья, а затем гарантировал, что заплатит ему столько, сколько он должен заплатить сверх той суммы, которая была необходима для победы в торгах. Мужчина выиграл тендер, Моне заплатил дополнительную сумму, и он смог завершить свою серию до того, как они были сокращены.Но опять же, они иллюстрируют интерес импрессионистов к использованию цвета для исследования света мира во всех его вариациях.

Вот еще один эффект естественного света, Ренуар слева, Моне справа, оба рисуют летний свет пятнистым оттенком

Здесь снова Моне, рисующий бурный день на пляже и из его чудесного Лондона серия, рисующая Темзу, мосты, здания парламента и невероятный лондонский туман начала 1900-х

Намерение художников, роль искусства в жизни

Последняя тема, которую я хочу обсудить, — это разница в намерение между художниками, работавшими в классической традиции, и современными художниками.Роль живописи в обществе кардинально изменилась с 17 века! Поэтому, чтобы оценить их работу, я думаю, мы должны понимать намерения художников и то, как они отвечали культурным требованиям своего времени. Большая часть классической живописи была заказана религиозными лидерами, чтобы рассказывать и пересказывать истории верующих. Или политика — живопись, посвященная историческим моментам, или придворная жизнь — как в этих двух работах из шоу.

Их покровителям нравились эти грандиозные жесты, которые отмечали их достижения и оставляли след в истории.Истории, рассказанные масляными картинами, выполненными с использованием установленных технологий и качественных материалов художников, могут жить сотни лет.

В то время живопись была высшей формой визуальной записи человеческого опыта. Единственная причина, по которой мы имеем представление о том, как выглядела жизнь, — это живопись. Но великий стиль — повествование было высшей формой визуального повествования.

Изображения греческих мифов о Меркурии и Герсе слева или религиозные истории, такие как история Юдифи из Библии, нет, это не голова ее мужа, а голова вражеского генерала.

Но я надеюсь, что вы видите, что многие классические картины объединяет то, что все они выглядят как кадры из драматической пьесы. Живопись была единственной визуальной средой, содержащей драму.

Прошло много времени с тех пор, как мы обратились к живописи как к нашему первоисточнику визуальной драмы или даже визуального рассказа историй; мы идем на ТВ и в кино.

За последние 100 лет живопись была освобождена от обязанности создавать драматические произведения или записывать значимые события. Фотография освободила живопись от основной обязанности рассказывать нам, как выглядят вещи.Живопись могла умереть, если бы эти две важные части рынка были удалены, но как свидетельство первобытной силы живописи она эволюционировала, чтобы удовлетворить другие культурные потребности.

Импрессионисты создали эту новую роль для живописи.

Их работа стала результатом удивительного слияния идей и материалов. Этот раздел разговора посвящен намерениям. Их намерения состояли в том, чтобы привнести в искусство научный образ мышления. Вместо того, чтобы рисовать свет в студии, эти современные художники занимались изучением научных взглядов на мир.Они изображали свет мира. Рассказывание историй и драма не были важными намерениями. Вот две картины Моне, изображающие Руанский собор, поскольку во многих сериях Моне он создал множество картин на каждый предмет, чтобы изучить влияние света в разное время дня и при разных погодных условиях.

Наряду с этим новым взглядом на мир импрессионисты дали нам новый элемент человечности как фокус для живописи. И это чистое ощущение, производимое цветом и светом, без повествования, которое направляет опыт.

Еще два Моне демонстрируют использование цвета для вызова эмоциональной реакции.

В качестве фона для заключительных замечаний я возвращаюсь к Клоду и Клоду.

Сейчас мы живем в мире искусства, который был охарактеризован как «постмодернистский». В этом постмодернизме все стили или художественные средства, когда-либо изобретенные, можно увидеть на стенах сегодняшних художественных галерей. Но все же во всей живописи используется только одна из двух структур, которые мы рассматривали. Картины либо привлекают свет на поверхность, иногда больше, иногда меньше, либо заставляют его отражаться прямо от поверхности.Тем не менее, художники правят и, трансформируя художественные материалы, они оставляют нам визуальные записи нашей культуры, наших идей и наших эмоций. И лично я считаю, что мы богаче из-за всего этого разнообразия.

Если у вас есть дополнительные вопросы о том, почему классические и современные картины выглядят так по-разному, свяжитесь с нами.

Роберт Гэмблин


Кредит: Здание Парламента, 1903 г. (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Бруклинский художественный музей, Нью-Йорк, США / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Мужчина в тюрбане, 1433 г. (масло на дубе) — Эйк, Ян ван (ок.1390-1441)
© Национальная галерея, Лондон, Великобритания / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Еврейская невеста, около 1666 г. (холст, масло) Рембрандта Харменса. ван Рейн (1606-69)
© Рейксмузеум, Амстердам, Голландия / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Мост Ватерлоо, 1902 г. (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Hamburger Kunsthalle, Гамбург, Германия / Художественная библиотека Бриджмена

Предоставлено: Юдифь (холст, масло) Валентина де Булонь, (1594-1632)
© Musee des Augustins, Тулуза, Франция / Жиро / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Женщина с зонтиком повернулась к Слева, 1886 г. (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Musee d’Orsay, Paris, France / Giraudon / Художественная библиотека Бриджмена

Предоставлено: The Gare St.Лазар, 1877 г. (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Musee d’Orsay, Париж, Франция / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Фасад Руанского собора и Tour d’Albane (Утренний эффект) 1894 г. ( холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Музей изящных искусств, Бостон, Массачусетс, США / Коллекция Томпкинса / Художественная библиотека Бриджмена

Предоставлено: Grainstack (Sunset) 1891 (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Музей изящных искусств, Бостон, Массачусетс, США / Коллекция Джулианы Чейни Эдвардс / Художественная библиотека Бриджмена

Предоставлено: St.Иоанн Креститель, 1513-16 (холст, масло) Винчи, Леонардо да (1452-1519)
© Лувр, Париж, Франция / Художественная библиотека Бриджмена

Предоставлено: Бурное море в Этрета, 1883 г. (холст, масло). Моне, Клод (1840-1926)
© Musee des Beaux-Arts, Lyon, France / Giraudon / The Bridgeman Art Library

Кредит: Ecce Homo (холст, масло) Миньяра, Пьера (1612-95)
© Musee des Изящное искусство, Руан, Франция / Лорос / Жиро / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Св. Анна ведет Богородицу в храм, ок.1635-45 (холст, масло) Стелла, Жак (1596-1657)
© Musee des Beaux-Arts, Руан, Франция / Lauros / Giraudon / Художественная библиотека Бриджмена

Предоставлено: Руанский собор при полном солнечном свете: гармония в синем и золото, 1894 г. Автор: Моне, Клод (1840-1926)
© Musee d’Orsay, Paris, France / Lauros / Giraudon / The Bridgeman Art Library

Предоставлено: Impression: Sunrise, Гавр, 1872 г. (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Musee Marmottan, Paris, France / Giraudon / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Парижское суждение, ок.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.

Any Queries? Ask us a question at +0000000000